jueves, 29 de agosto de 2019

GODLESS ENTHROPIA: “Tetracyclic Dominion”(2018) (Symbol of Domination)


1. Al-Qaliyah 2. Mother of Cain 3. Into the Asylum 4. Witch Burning Princess 5. Unpredictable Dementia (Mechanical Disease) 6. Erase, Delete, Annihilate 7. Dysphemic  Phænomenons 8. Third Eye, Cauterized 9. Solecism I 10. Cause of Disease (Sprouts of New Hate) 11. Palace of Fornication 12. Adynaton 13. Solecism II 14. The Heights of Eidos (Mother of Cain pt. II)

Más death metal, mis amigos. "Tetracyclic Dominion" es el LP debut de los tanos Godless Enthropia, un quinteto que se las trae. Como dije, aquí tenemos una banda que propone momentos de puro death metal brutal con algunos más técnicos, pero sin por eso perder ferocidad. Y cuando decimos “técnicos” hablamos de momentos progresivos mas algunas influencias jazzísticas de la mano de un piano, lo cual contribuye a que el sonido pierda monotonía y conserve la atención del oyente.
“Tetracyclic Dominion” no escatima riffs ardientes, voces feroces y pesadez alucinante, al tiempo que niveles complejos e intrigantes de magia de guitarra, y hasta algunos toques modernos para terminar de darle “sabor” a este conglomerado. O sea, todo lo que un fanático del death metal espera de un disco de Godless Enthropia.

martes, 27 de agosto de 2019

Entrevista exclusiva con Aquelarre: "Un disco hecho de ira, muerte y desesperación"

Una vez mas los gallegos Aquelarre nos convocan para charlar sobre "Suevia", su mas reciente trabajo. Christian Marco, su tecladista, nos responde amablemente.




¡Hola! Esta es nuestra tercera entrevista, se podría decir que somos viejos conocidos ya, por lo cual seria muy bueno que nos contaran como han estado las cosas desde “Tempo” a esta parte.
¡Hola! Es un placer que contéis con nosotros otra vez y siempre es agradable que alguien esté pendiente de tu trabajo. Muchísimas gracias.
Las cosas desde que “Tempo” vio la luz han ido bastante bien, creo yo. Ha habido algunos cambios en la formación (nuevo guitarrista solista y nuevo teclista) y hemos crecido musicalmente, evolucionando hacia un sonido más personal pero sin olvidar nuestros orígenes. También hemos tenido la oportunidad de hacer giras con grandes grupos nacionales e internacionales, algunos de la talla de Rhapsody of Fire o King Company, y creo que estamos en un buen momento para seguir progresando hacia nuevos objetivos.

Cuéntanos un poco sobre el concepto detrás de “Suevia”.
Suevia es el nombre que recibe Galicia en el poema “En pé”, de Ramón Cabanillas, basándose en el antiguo Reino Suevo que se estableció en Galicia tras el Imperio Romano.
La idea detrás de “Suevia” es que el oyente pueda sumergirse en la Historia de Galicia a través de algunos de sus hechos y personajes. Es como una máquina del tiempo que ayudase a entender un poco el “sentir gallego”, porque sólo conociendo nuestra Historia podemos lograrlo. Queríamos que fuese un disco inconfundiblemente gallego pero que a la vez todo el mundo pudiese disfrutar de su atmósfera a través de conceptos, historias y sentimientos que son universales, pero vistos desde la Galicia del siglo XXI.
 “Suevia” es un disco hecho de morriña, ira, muerte y desesperación, pero también esperanza e ilusiones. 

El arte y presentación de CD es sencillamente impresionante. ¿Que los motivó a realizar semejante trabajo?
Creíamos que el disco no estaría completo sin un trabajo gráfico y una presentación física a la altura de lo que pensamos que “Suevia” se merece. Si la música transmite sensaciones, a través del oído, el tacto y la vista debían completar el trabajo. Queríamos que abrir la caja del CD fuese como abrir la puerta a “Suevia” y que uno pudiese empezar a adentrarse en ella tanto como quisiera incluso antes de que sonase la primera nota. Mucha gente ha olvidado el placer de esa especie de “liturgia” que supone todo lo que rodea escuchar un CD físico y que creo que casi te predispone a disfrutarlo. Conozco pocas cosas comparables a coger un CD, abrir su caja, colocarlo en la bandeja del reproductor, ponerse los auriculares en tu butaca favorita y oírlo con calma mientras se siguen las letras en el libreto, se disfruta de su arte gráfico y poco a poco te vas sumergiendo en la música. No queríamos privarnos de ese placer ni de ponerlo al alcance de quien quisiera.

¿Han leído la reseña de su disco que hemos hecho en Rocka Rolla? ¿Qué les ha parecido?
¡Nos ha gustado mucho! Como decía antes, que haya gente que esté pendiente de nuestro trabajo, que lo escuche con atención y que además de una opinión informada y favorable nos da nuevos ánimos y, de alguna forma, nos dice que el mensaje que queríamos transmitir llega al público y que éste disfruta con él. Nos gustaría que todo el mundo pudiese escuchar “Suevia” y que lo disfrutasen tanto como nosotros. Por eso agradecemos tanto vuestro trabajo dándolo a conocer.

¿Ya han presentado “Suevia” en público?
Si, y estamos muy contentos con la reacción del público. Aún así, estamos terminando de preparar una gira que dará a conocer nuestro trabajo aún a más gente y trabajamos duramente para ofrecer el mejor espectáculo posible a nuestro público. Se podría decir que estamos “componiendo” el directo.


Es notable como Aquelarre ha ido endureciendo su sonido. ¿Fue esto premeditado?
Nada de lo que suena en “Suevia” es casual. Creemos que para conseguir transmitir lo que queríamos de la forma que queríamos era necesario ese sonido. No tenemos reparos a la hora de adoptar todo tipo de recursos que puedan enriquecer nuestras composiciones. Sólo deben ser coherentes con lo que queremos conseguir y, por supuesto, gustarnos el resultado. Por suerte la música es infinita y pone a nuestra disposición todo tipo de herramientas para expresar nuestras ideas al mismo tiempo que nos permite crear otras nuevas. Creo que lo peor que puede hacer un músico es ponerse límites a priori. Si para transmitir rabia y frustración o locura era necesario endurecer el sonido, sólo debíamos encontrar la manera de hacerlo de forma que transmitiese lo que queríamos.

Mis favoritas del álbum son “Suevia”, “Romasanta”, y “Aunque duela recordar”. Cuéntenme un poco acerca de estas canciones.
“Suevia” fue el primer tema que compusimos para este disco y el germen de todo el concepto posterior. Habla de las revueltas Irmandiñas que se produjeron en Galicia durante el siglo XV cuando las clases populares se levantaron en armas contra la nobleza y destruyeron numerosos castillos hasta que fueron finalmente derrotados.
Con “Romasanta”queríamos dar nuestra visión de la locura del personaje y todo el ambiente siniestro que lo rodea. No sabemos si realmente Romasanta se creía un hombre lobo, o lo que sentía antes de matar a sus víctimas, pero intentamos dar nuestra visión personal de este asesino en serie diagnosticado como el primer y único caso de licantropía clínica.
“Aunque duela recordar” intenta transmitir la nostalgia, soledad y lucha de los emigrantes que se vieron obligados a dejar su hogar en busca de un mejor futuro que muchas veces no llegó. A través de una carta, el protagonista nos va desvelando sus sentimientos. Queríamos que la música fuese aumentando ese ambiente de nostalgia y desesperación poco a poco.

¿Y cuál o cuáles son tus canciones favoritas de “Suevia”?
Es muy difícil elegir cuales son mis favoritas porque cada una de ellas me gusta por razones diferentes. “Hijo del mar” tiene un significado personal y una historia muy especiales para mí, “Aunque duela recordar” consigue emocionarme cada vez que la tocamos, “Galicia 19” supuso un entretenido reto técnico y compositivo, “Romasanta” es otro gran tema… La verdad es que al final acabo oyendo el disco entero porque para mí, “Suevia” en su conjunto es como una sola obra formada por diversas partes y cada una complementa a las demás.

¿Cuáles son sus próximos planes en un futuro cercano?
Nuestro objetivo más inmediato es terminar de preparar una gira de conciertos por toda España. Estamos trabajando para estar presentes en el mayor número posible de lugares y nos gustaría llegar tan lejos como fuera posible y tan alto como nuestro público nos lleve.

Esta pregunta la hago siempre, ya que los tiempos van cambiando. ¿Como está la actual escena rockera y metalera en España, según su punto de vista?
Además de los grandes nombres que todos conocemos, hay muchos grupos menos conocidos con propuestas realmente interesantes y que merecen ser escuchados. Cada vez es más difícil conseguir nuevo público, que tiende a ir a ver bandas consagradas en vez de “arriesgarse” a ver a quien no conocen. Si conseguimos atraer a esa gente a nuestros conciertos, trabajando para ofrecerles lo mejor que podamos dar y conseguimos su apoyo, las grandes bandas serán aún más grandes y las que no lo son, tendrán una oportunidad de llegar a serlo. 


¿Qué bandas han estado escuchando últimamente? ¿Y qué bandas quisieran recomendarnos?
Cada uno de nosotros tiene gustos muy diferentes y escuchamos todo tipo de música, no sólo metal. Nos gustan bandas que van desde Alter Bridge a Pink Floyd, In Flames, Voyager o Toto.
Si tenéis oportunidad, escuchad algo de Atreides, es una banda con la que hemos coincidido un par de veces y que nos ha gustado mucho a todos.

Detrás de cada gran álbum hay una lista de gente que de una u otra manera ayudo a que todo termine de la mejor manera. ¿Hay alguien a quien les gustaría agradecer particularmente?
Es una lista tan larga que es imposible reproducirla aquí. Todo el que ha tenido algún tipo de relación con la banda o sus miembros ha contribuido de una u otra forma en este disco, familiares, amigos, público… No los olvido y les estoy profundamente agradecido. Pero quizá los más evidentes son nuestro amigo, gran músico y productor Zoilo por su contribución directa en la producción y grabación, Ana Alonso por su magnifico trabajo con el trabajo gráfico y a “nuestro” Bruno, que con su incansable apoyo ha contribuido en “Suevia” mucho más de lo que él cree.

¡Gracias! ¿Últimas palabras, por favor?
Muchas gracias por vuestro trabajo y por contar con nosotros. A los lectores recordarles que Suevia se puede escuchar libremente en YouTube, Spotify… Aunque pensamos que el placer de escuchar un Cd con el libreto en la mano disfrutando de su trabajo gráfico es insuperable. Además, nos gustaría invitaros a todos los que podáis, a conocer Suevia en directo, para lo que iremos publicando las fechas y lugares de nuestros conciertos en las redes sociales.

domingo, 25 de agosto de 2019

DEMONIC OBEDIENCE: “Fatalistic Uprisal Of Abhorrent Creation” (2018) (Satanath Records)


1. Conjuration 2. Inception 3. Awakening 4. Outbreak 5. Decampment 6. Act 6(66) 7. Annihilation 8. Scythe Bearer

Tercer álbum de los griegos (hoy afincados en Escocia) Demonic Obedience, donde muestran una brutal andanada de death/black metal a toda potencia.
Ocho canciones rápidas e implacables con la sola intención de atormentarte y torturarte, música caótica, cruda, dura, sin miramientos.
La esencia de la banda se nota a cada paso, pesada, aplastante y diabólica, con estructuras elaboradas y maduras, adquiriendo su propia personalidad.
Riffs densos y complejos, voces guturales, torrentes agresivos que se combinan con pasajes sombríos y siniestros, para redundar en una dinámica salvaje y destructiva.
La producción es perfecta y mejora la crudeza y crueldad que este trio quiere transmitir, dando como resultado un álbum enfermo para gente enferma.

viernes, 23 de agosto de 2019

INTERNAL SUFFERING: “Choronzonic Force Domination” (2018) (Satanath Records)


1. Choronzonic Force Domination 2. Summon the Gods of Chaos 3. Across the Tenth Aethyr 4. Baphomet Invocation 5. Legion 6. Dagon's Rising 7. Dispersion & Darkness 8. Orbiting Chaosphere 9. Enter the Gate of Death

Los ya veteranos Internal Suffering siguen su marcha firme hacia la dominación del metal extremo mundial. Y en este caso tenemos la reedición remasterizada de su “Choronzonic force domination”, de 2004, a cargo del sello Satanath.
Y esta placa muestra a una banda enrolada en un death técnico ultra brutal, escuela americana por cierto, pero al mismo tiempo hay cosas técnicas y hasta progresivas, con bastante variación, un sonido contundente, una sección rítmica muy pesada, y voces clásicas guturales.
Internal Suffering no inventa nada, es cierto, pero dentro de su nicho específico los tipos se la rebuscan para hacerse notar. Interesante banda, chequéenla.

miércoles, 21 de agosto de 2019

SOLD MY SOUL: “Beyond The Darkness” (2019) (Solition)


1. Beard Mojo 2. Everytime 3. Forest Woman 4. Hoppy Queen 5. Oślepił Mnie Deszcz 6. Hate 7. Rise Above 8. Outcast 9. Hear the Music 10. Złodziej Czas

Los amantes del classic rock están de enhorabuena: Sold My Sould acaban de publicar su segundo álbum “Beyond The Darkness”. El cuarteto polaco, liderado por el guitarrista Smock Smoczkiewicz (exFirebird) y acompañado en la actualidad por Łukasz 'Lipa' Lipowczan a la voz, Gabriel Drobot a la batería y Yan Lee al bajo, nos ofrece de nuevo su propuesta enraizada en la tradición bluesera de los años 60 y la roquera de los 70 -con toques de southern y hard rock-, evocando con su sonido al de figuras como Muddy Waters y al de bandas como Cream, Free, Lynyrd Skynyrd o Led Zeppelin. La banda se formó en Opole en 2012, publicó un EP pocos meses después y editó su debut homónimo en 2014, y si bien su actividad en directo se ha centrado en su país (donde ha recibido diversos reconocimientos), no deja de sorprender que las únicas escapadas fuera de sus fronteras hayan sido para realizar dos giras por España.
La inaugural Beard Mojo es una pieza instrumental con el bajo y la batería creando un muro sónico por encima del que la guitarra hace un espectacular trabajo con el slide, dándole un toque muy sureño. 
Everytime posee unos coros letales y una sensacional base rítmica; Forest Woman tiene unas abrasadoras seis cuerdas en el estribillo y un fenomenal solo, y el particular riff de Hoppy Queen, los guitarrazos que asoman al final de los versos y su fantástica pandereta, la convierten en una pieza redonda. 
Oślepił Mnie Deszcz es la fiel versión de la canción de Breakout a la que Sold My Soul le ha imprimido mayor potencia y músculo gracias al trabajo inconmensurable de la sección rítmica. Los instrumentos de Drobot y Lee otorgan nuevamente a Hate una increíble profundidad de la que brotan las incendiarias guitarras y los aullidos hardroqueros que recorren las entrañas del corte. 
Los acordes iniciales de Rise Above pueden recordar a los del clásico Sweet Home Alabama, mientras que el bajo imperial y el bombo marcan el compás de la vigorosa Outcast con la aparición en el verso principal de la guitarra con slide que progresa hasta convertirse en un descomunal solo. 
Finalmente, el peculiar Złodziej Czas -el segundo corte en su lengua materna y el que cierra el álbum- comienza con acústica y el golpeteo de las baquetas en el aro de la caja, y va creciendo moderadamente hasta la arribada del melódico estribillo.
Si te gustan formaciones como Monster Truck, Blues Pills o Rivals Sons, no dudes en agenciarte este trabajo. ¡“Beyond The Darkness” es dinamita pura!

lunes, 19 de agosto de 2019

IN TENEBRIZ: “Winternight Poetry” (2018) (Symbol of Domination)


1. Winternight Poetry I 2. Winternight Poetry II 3. Winternight Poetry III 4. Winternight Poetry IV 5. Winternight Poetry V 6. Winternight Poetry VI 7. Winternight Poetry VII

No salgo de mi sorpresa y asombro de ver la descomunal actividad que ha tenido este unipersonal. Wolfir, seudónimo del cerebro detrás de In Tenebriz, desde el 2005 a esta parte ha editado más de 25 trabajos discográficos entre LPs, EPs, splits y otros formatos.
Adentrándonos ya, “Winternight Poetry” es un álbum conceptual dividido en varios capítulos, donde las lentas y atmosféricas melodías transcurren fluidas y coherentes durante los casi cuarenta minutos que dura el álbum.
In Tenebriz inventa su propia mezcla de black metal atmosférico con un discreto enfoque doom que también incorpora con buen gusto teclados para un fondo sombrío y helado.
La primer banda que se me viene a la cabeza para referenciar a este “Winternight poetry” es Tiamat, aunque In Tenebriz suena más siniestro y grotesco, a pesar de sus ritmos más tranquilos y serenos, lo que nos ubica en el sonido de aquel ya lejano “Orchid”, de los suecos Opeth.
En síntesis, “Winternight Poetry” es un trabajo lúcido, intenso y vibrante, dando una sensación casi cinematográfica a lo largo de su escucha. Recomendado.

sábado, 17 de agosto de 2019

STRIBORG: “Mysterious Semblance” (2018) (Satanath Records)


1. A Sour Pale Ghostly Dawn 2. Mysterious Semblance Of Spectral Trees 3. Dark Storm Brooding / Lightning In The South 4. Looming Black Apparition 5. The Ghostly Pallid Hand Of Fear 6. As Sad As A Cemetery In The Winter Darkness 7. The Screaming Winds 8. Lurking The Murky Damp Forest 9. Loneliness...

“Mysterious semblance”, originalmente lanzado en formato cassette en 2004, recibe su reedición remasterizada en CD con pistas adicionales el pasado 2018 a través del sello Satanath. 
Cualquiera pensaría que este unipersonal proviene de las heladas tierras escandinavas, pero lo cierto es que detrás de Striborg está el tasmaniano Russell Menzies, quien se nota que ha bebido del más primitivo black nórdico.
Rodeado de una atmósfera de misterio escalofriante, este disco es un manjar para los fanáticos del metal negro más old-school, ya que aun con la mencionada remasterización, “Mysterious Semblance” es fiel al lanzamiento original conservando el sonido áspero y arenoso típico de aquellos demos que intercambiábamos en cassette, agregándole el ambiente caótico y vibrante, disonante y casi esotérico, con tonos espectrales y estribillos espeluznantes, con una voz hostil sobre riffs lentos y repetitivos.
En general, un álbum destinado a aquellos oyentes más trve y un buen comienzo para aquellos que deseen saber más de la escena extrema australiana.
Sitio web: www.facebook.com/striborg666 (J.S.)

jueves, 15 de agosto de 2019

EDEN: “El despertar de los sueños” (2019) (Duque Producciones)


1. Vuelve 2. Destierro en el tiempo 3. Perdido estoy 4. Sangre de metal 5. No puedo sentir 6. Traición 7. Desde el aire 8. Corazón 9. Errores del ayer 10. Angel negro 2.0

Tras pasar los últimos años en los astilleros, los asturianos Eden han vuelto a la palestra publicando “El despertar de los sueños”, un quinto álbum con el que quieren marcar un antes y un después en su dilatada carrera, iniciada en 2002 e interrumpida temporalmente en 2014.
Después de un impasse de dos años, el guitarrista y cofundador Javier Díaz decidió volver al ruedo con nuevos bríos y una formación completamente renovada, compuesta por el también guitarrista Eneko Ramos, el cantante Gaspar Braña, el bajista Juanjo Díaz y el baterista Adrián Menéndez. Con esta alineación, la banda ha registrado un impecable disco a caballo entre el heavy metal y el heavy rock con trazas de power europeo, caracterizado por las grandes melodías, los pegadizos estribillos, el protagonismo de las guitarras y la pulcritud del sonido (no en vano, Alberto Rionda de Avalanch se ha encargado de la mezcla y la masterización de la obra).
Con la performance de Braña tengo sentimientos encontrados: por un lado, es el tipo de cantante que me gusta (con un rango vocal capaz de alcanzar gritos agudos estratosféricos y una manera muy personal de encarar las melodías), pero por el otro, y en mi opinión de oyente, interpreta en un tono excesivamente agudo algunos versos. Por otra parte, y en relación con las guitarras, me encuentro ante una nueva disyuntiva: si bien atesoran una gran riqueza compositiva, me habría gustado encontrar mayor dinamismo en la digitación de algunas melodías y en ciertos solos. Pero dejemos a un lado las conjeturas y vayamos al lio… 
Vuelve empieza con un épico y cinematográfico preludio instrumental que da la entrada a la melodía de guitarra con un desbocado doble bombo en la segunda vuelta, atesora unas preciosas voces dobladas en el puente y un grandioso estribillo con un registro vocal muy alto y las seis cuerdas adornándose de lo lindo. Perdido estoy tiene un sonido general muy hardroquero, una demoledora estrofa principal definitivamente adictiva y magistralmente guiada por los teclados, y unos coros en la parte central de la canción pensados por y para el directo. Sin abandonar ese maravilloso riffage roquero, nos encontramos con No puedo sentir, una pieza que comienza con teclado, chelo y violín (tocados con suma exquisitez por el ex-Eden Vicente Fernández, Júlia Martínez y Valeria Gaya, respectivamente) para dar paso más tarde a una nueva muestra de derroche de facultades por parte de Gaspar.
Sangre de metal es un canto dedicado a la comunidad metalera, musicalmente intachable, con un riff veloz, una arrolladora batería y un hímnico estribillo como no podía ser de otra forma. Traición es oscuro y de cadencia arrastrada, mostrando una dimensión inédita del grupo, como también sucede, aunque en menor medida, con Errores del ayer. El gañido de un halcón es el premonitorio preámbulo de Desde el aire, que tiene un riff espectacular y un estribillo melódicamente excelente y súper pegadizo. Por si fuera poco, el tema cuenta con la participación estelar de Isra Ramos (Avalanch) -quién va alternándose las estrofas con Braña hasta fundirse ambas voces en el estribillo- y la sensibilidad de la cantante Noelia Fuente para acabar de redondear la rutilante composición. Finalmente, Ángel negro 2.0 es la regrabación del corte perteneciente a su disco “Quattro” y en donde aparecen como invitados su anterior cantante, Óscar Nieto, y también el teclista.
Como los propios Eden afirman, con “El despertar de los sueños” han vuelto para quedarse y hacer realidad sus ilusiones dormidas. ¿Les acompañarás en su nueva gesta?
Sitio web: www.eden-metal.com (M.M.)

martes, 13 de agosto de 2019

GRIMORIUM VERUM: “Revenant” (2018) (Symbol of Domination)


1. The Born Of The Devil 2. The Kingdom Of The Pain 3. The March Of The Northern Kings 4. Blind Faith In Nothing 5. The Light Of Dark Father 6. Revenant 7. The Circus Of The Dark Illusion 8. Sacred Temple Of Blood 9. The Great Serpentine Saint 10. The Resurrected On The Devil’s Hands

Todavía recuerdo la muy buena impresión que me causo “Relict”, el anterior trabajo de estos rusos. Con casi una hora de duración, “Revenant” lleva el mismo camino, porque el álbum es una auténtica fiesta de ritmos audaces y armonías feroces, es decir black metal preciso pero con vicisitudes brutales y siniestras que enmarcan los pasajes viscerales.
Aquellas similitudes con Dimmu Borgir siguen presentes, claro está, aunque algo en lo que difieren es en el ritmo algo más rápido que realiza Grimorium Verum, acercándolos a otros popes como Cradle of Filth.
“Revenant” se desdobla como un álbum muy bueno e interesante en todo momento, que fusiona una intensidad cruda y agresiva con elementos sinfónicos que convergen brillantemente, y los pocos puntos en contra no comprometen la sobriedad y la consistencia de la música.
Rápido, pegadizo y, sobre todo consistente, “Revenant” cumple con creces con su cometido. Black metal moderno y de excelente factura. A por ellos!
Sitio web: www.grimorium-verum.ru (J.S.)

domingo, 11 de agosto de 2019

FERVENT HATE: “Tales of Hate, Lust And Chaos” (2018) (Satanath Records)


1. Evil Twins 2. ‎Death Is Written By Itself 3. Ten Inches Of Love 4. Last Night Of Pleasure 5. Mrs. Piggy 6. Left Iron Fist 7. Confessions 8. The Possibility Of All Possibilities 9. Rotten Crop 10. Disinfection Aid

Recuerdo todavía esa explosión del death sueco en los 90´s… Entombed, Amon Amarth, At The Gates, Dissection y muchos más de repente aparecían en revistas dedicadas al metal. Y afortunadamente esa huella fue tan profunda que aún aparecen bandas como los peruanos Fervent Hate.
Y “Tales of hate, lust and chaos” está compuesto por esos riffs elitistas pero de guitarras fuertes, con voces con la dosis justa de grito que le dan aspereza, batería que suena bien al frente y brinda contundencia. Y esas líneas melódicas cercanas al roll están tan inteligentemente escritas, que pasan rápido y parecen sacadas directamente de lo más profundo de Gothenburg. Pero vamos, que el mismísimo Dan Swano estuvo detrás de las perillas en este álbum.
Es resaltable lo rápido que pasa el disco por esos ideales 40 minutos, y me atrevo a decir que estos chicos de Arequipa tienen en sus genes la más pura cepa escandinava. Que el oyente le pegue una oída y juzgue por sí mismo.
Sitio web: www.facebook.com/ferventhate (J.S.)

viernes, 9 de agosto de 2019

THE GREAT KAT: “Czardas For Violin And Piano” (DVD) (2018) (TPR Music)



1. Czardas For Violin And Piano

Hablar a estas alturas de quien es The Great Kat es superfluo. Si sos metalero sabes quién esta mina que la descose desde hace más de cuatro décadas con su peculiar estilo y virtuosismo.
Y si de virtuosismo hablamos, en este DVD nuestra amiga Katherine versiona ese clásico de clásicos que es “Czardas”, del compositor italiano Vittorio Monti, y que también inmortalizara Barón Rojo en aquel lejano “Al rojo vivo”.
Sin más, todos sabemos con que nos vamos a encontrar. Locura, habilidad, destreza, talento, llámenlo como prefieran, pero Kat hay una sola. Tómenla o déjenla.
Sitio web: www.greatkat.com (J.S.)

miércoles, 7 de agosto de 2019

FINAL CUT: “Jackhammer” (2019) (Art Gates Records)


1. Full Steam Ahead 2. Creature 3. Break the Barriers 4. Momentum 5. Generation Y 6. Prejudice 7. Regrets 8. Grin 9. Die or Die, Guaranteed 10. Picasso’s Thoughts

Segundo álbum de estos thrashers suizos, y el primero que tengo el gusto de escuchar y reseñar. Con diez pistas en 42 minutos (tiempo ideal), “Jackhammer” es un compendio de muy buenos clichés con la adición de algunos elementos cercanos al death, que le sientan de maravillas.
Riffs a los palos, peso por doquier y un batero que es un verdadero animal, de lo mejor que yo haya escuchado. Las influencias no se remiten a los clásicos europeos (Kreator / Cyclone) sino también a los de este lado del Atlántico (Testament), redundando en el disco demoledor y que no me caben dudas está destinado a abrirles más de una puerta. No se la pierdan!
Sitio web: www.facebook.com/Finalcutband (J.S.)

lunes, 5 de agosto de 2019

AORNOS: “The Great Scorn” (2018) (Symbol of Domination)


1. Ad Futuram Memoriam 2. From A Higher Reality 3. The Kingdom Of Nemesis 4. Trace To Beckoning Fade 5. Come And See 6. The Great Scorn 7. De Profundis 8. Funeral March For The Death Of The Earth 9. Adamante Notare

Tercer trabajo de Aornos que me toca reseñar, este particular proyecto unipersonal del húngaro Tatrai Csaba, quien aquí se presenta con el seudónimo de Algras. Si han seguido mis anteriores reseñas, sabrán que Aornos se encasilla directamente en el black metal moderno, potente, implacable y distorsionado, pero al mismo tiempo con buen lugar para la melodía.
Es notable como con cada álbum las diversas influencias se van haciendo notar, y “The great scorn” no es la excepción pues las grandilocuentes sombras de Emperor y Satyricon se ciernen a lo largo de todo el trabajo.
Los riffs de guitarra, bien arraigados en el black metal tradicional de los 90’s, son componentes esenciales en la placa, así como los pasajes de teclado, y aun cuando las canciones son más lentas este álbum encuentra su forma. 
Frio, sombrío, atmosférico y siniestro, "The Great Scorn" se convirtió en mi disco favorito del mes. Recomendadísimo.