ARCHFIEND: “Lost Forever” (2025) (Fiend Recordings)

1. Darkness 2. I Will Rise 3. Forever Free 4. House Of Fear 5. Bloodline (Charlie) 6. I Am Nightmare 7. Caged In Fear 8. Lost Forever 9. Don’t Let Go 10. The Story Of Jenna Lee

Los trabajos conceptuales se han convertido en un terreno abonado para la épica del rock de finales de los años sesenta y principios de los setenta y, posteriormente, como no podía ser de otra manera, de nuestro querido heavy metal. Si grupos como The Who con “Tommy”, Jethro Tull con “Thick as a Brick” o Pink Floyd con “The Wall”, ayudaban a conformar los cimientos de este tipo de obra musical, el metal no se quedaba atrás y, con esta misma estructura, forjaba referencias tan clásicas como “Abigail” de King Diamond. “Seventh Son of Seventh Son” de Iron Maiden, “Metropolis PT II: Scenes From A Memory” de Dream Theater o “Nightfall in Middle-Earth” de Blind Guardian, sólo por citar algunos de los más famosos y dejando de lado el mundo de las óperas rock (con las que los elepés conceptuales comparten muchas características). Hasta los dioses Judas Priest (genuflexión) pusieron su granito de arena con “Nostradamus”…
Supongo que buena parte de estos inigualables álbumes sirvieron de fuente de inspiración al bono de Brian LaFave -vocalista, guitarrista, bajista, teclista y talento creativo detrás del proyecto Archfiend UP- para sacarse de la manga su primer larga duración titulado "Lost Forever". Un disco conceptual que narra, a través de 10 composiciones que se enuncian como los capítulos de un libro, la historia de una joven de catorce años, Jenna Lee, que desde pequeña es víctima de abusos por parte de su padre. Tras la muerte de su madre, la protagonista decide huir de casa con Charlie, pero lejos de dejar atrás sus pesadillas, su novio la retiene contra su voluntad con la intención de mercadear con ella. La chica, rendida ante las adversidades y convencida de que nadie podrá liberarla de su cruento destino, decide quitarse la vida.
Consciente de que una obra de estas características debe estar bien trenzada, LaFave dedicó casi dos años hasta concluir su labor en 2025. Dispuesto a poner toda la carne en el asador, en un intento de remachar la crudeza de la historia y dotar a “Forever Lost” de un concepto diferencial, se le ocurrió la idea de complementar cada uno de los temas con el soporte visual de videoclips independientes. Con esa intención, tiró por la calle de en medio y recurrió a la persona de Michael Lynn para que dirigiera el guión de los capítulos y los convirtiera en cortometrajes con animación CGI (es decir, con imágenes en 3D generadas por ordenador).
Una vez perfilada la idea, el multiinstrumentista se dirige desde Escanaba en dirección a Madison, donde el productor Paul Schroeder le espera en los Megatons Studio para grabar y producir -como también había hecho con el primer EP digital de su carrera- las pistas de este proyecto conceptual. Pero Brian no va solo a Wisconsin, sino que reúne al guitarrista Tony M. y al batería Justin Parker para que con sus interpretaciones aporten un brillo diferente a las canciones que él circunscribe dentro del amplio espectro del heavy metal y el hard rock, pero donde la influencia de un áspero power metal americano también tiene mucho peso.
Si bien nos encontramos ante una creación ambiciosa, envuelta de creatividad y con un minucioso cuidado para no dejar ningún cabo suelto, no engañaremos a nadie si decimos que musicalmente es un disco justito y escaso de recursos. Pero contra todo pronóstico, la síntesis de ambos formatos, el auditivo y el visual, acaba confiriendo un aire tan kitsch al producto (disponible en las plataformas de Revernation y Youtube, respectivamente) que, sí o sí, hace que te acabes encariñando con él.
Un arpegio acústico, que irá evolucionando hasta la abordada instrumental de toda la banda, acompaña a una breve narración inicial que nos adentra en Darkness, el primer capítulo de esta historia. A continuación, un riff rudimentario abrirá paso al curioso fraseo entrecortado de Brian LaFave, a través del cual saltaremos alegremente hasta el melódico estribillo de I Will Rise.
Un nuevo preludio desenchufado es la antesala de Forever Free, una pieza donde las estrofas van transcurriendo sobre una intensa línea de guitarra que, en su parte final, pasará el relevo al solo del señor LaFave. Estas tres primeras pistas son las más interesantes del trabajo que, a partir de ahí, se va apagando y entra en una monocromática deriva sonora que nos hace desear a cada nuevo tema que el triste desenlace de la historia llegue en breve.
El desesperado grito de ayuda de House Of Fear cristaliza con la narración entonada de Brian en una pieza acústica que, en su ecuador, se electrifica sin ton ni son y concluye de nuevo unplugged. Bloodline (Charlie) es un breve relato musicado, I Am Nightmare es eso, un patinazo sin gracia hecha canción y Caged In Fear, con una incomprensible interrupción a media canción y un estribillo carente de inspiración, resulta otro despropósito compositivo, cuyas estrofas en las que el cantante se dobla la voz son las que salvan los muebles.
El tema que titula el álbum tampoco logra levantar los ánimos y cae de nuevo en el inmovilismo de un largo fragmento acústico que secunda la interpretación vocal hasta la concebida irrupción de la distorsión, donde únicamente dos solos de guitarra rompen aquí con el enquistamiento sonoro.
El sonido de la lluvia abraza a Don't Let Go, una bonita y breve instrumental de la que florece una precisa melodía solista entre unos acordes desenchufados, mientras que The Story Of Jenna Lee es el corte (innecesariamente largo) que, con un riff muy pobre y una línea vocal vacía y aburrida, cierra el disco. Como en las canciones anteriores, se intercalan fragmentos de estremecedoras informaciones relativas a la inhumana esclavitud moderna, junto con recursos para plantarle cara.
En resumen, cabe valorar que “Lost Forever” nace con la noble intención de ser un grito de denuncia hacia una execrable situación de sumisión absoluta. Pero, por otro lado, y a pesar del loable propósito, no podemos esconder que esta one man band lo hace con un trabajo que musicalmente se podría calificar de soberbio sólo si se analizara desde el amateurismo que se mueve por puro placer y amor por la música metálica, pero que -más allá del círculo cercano de los Archfiend UP- difícilmente reúna condiciones suficientes para atraer la atención de un público más amplio.
Sitio web: www.facebook.com/archfiend.lafave (M. M.)

RETURN TO DARKNESS: “Eternal” (2025) (Divebomb Records / Tribunal Records Inc.)

1. Eternal Chain 2. Pain 3. White Sea 4. Quarter to Ten 5. I Remember 6. HBIT 7. All in Time 8. Another World 9.Texas BBQ 10. Wouldn't You Like to Know 11. Go Away 

En los últimos años parece que el latido del mundo se haya acelerado de forma incontrolada y que sus habitantes hayamos enloquecido completamente. Nuestra existencia está sometida a un ritmo de vida frenético y la sociedad, gobernada por una cultura de la inmediatez que hace que todo tenga que ser de uso fugaz y de consumo rápido, se ha visto arrastrada a prescindir del valioso tiempo necesario para detenerse y pensar.
Los estudiosos mencionan el uso de la tecnología como uno de los factores desencadenantes de esta celeridad vital, pero lejos de querer iniciar un debate crispado sobre las bondades y las maldades de los adelantos en el ámbito del conocimiento, querría compartir la reflexión de como este nuevo uso ha afectado de pleno al consumo de música en estos últimos veinticinco años. El acceso inmediato e infinito a las discografías completas de cualquier banda a través de las plataformas de streaming, ha desvirtuado absolutamente la más noble y universal de las artes. Esta “sobrecarga informativa” hace que cinco segundos sean suficientes para indultar o condenar al olvido la obra de cualquier formación que en otras circunstancias -cuando durante el siglo pasado las canciones de un elepé se reproducían del derecho y del revés, y se extraían diferentes lecturas con cada nueva escucha- recibiría una atención más profunda y minuciosa.
Quizás haya sido este el motivo por el cual el lanzamiento digital del álbum “Eternal” de los thrashers norteamericanos *Return To Darkness, haya estado deambulado por la red desde el año 2022 sin despertar demasiado interés entre los consumidores de música en línea. Y quién sabe si ha sido el deseo de reparar la injusticia humana, el que ha llevado a la discográfica Divebomb Records a recuperar aquellas canciones y publicarlas en junio de 2025 en una edición limitada por los amantes del formato físico, ofreciendo así a estos seguidores la posibilidad de escuchar el trabajo con la pausa y la atención requeridas. ¿Será este el factor clave que hará emerger de la oscuridad a los neoyorquinos? Generalmente, estos casos acostumbran a confrontar dos realidades que cruelmente no siempre confluyen: por un lado, encontramos las inagotables ganas e ilusión del grupo para dar a conocer su música, mientras que por la otra se choca con el desinterés y la apatía de un público sobreexpuesto que solo reacciona brevemente a aquello que sobresale de la norma. Pero antes de sacar conclusiones apresuradas, hagamos un poco de historia para ver la hoja de méritos de este quinteto.
Formados en el contado de Rockland por Jon Ciorciari y Greg Paravati a las guitarras, Forrest Leighton a la batería (los tres provenientes de Sadistik Ritual), Ron Roshong al micrófono (exmiembro de Torment) y Sean Weiss al bajo (procedente de Prowler), Out Of Darkness operaron entre 1990 y 1996, y durante estos años publicaron una única maqueta grabada a los Phoenix Studios. Si bien después de esta demotape continuaron componiendo más material, la ausencia de un sello que apostara por él hizo que el desaliento se apoderara del grupo y lo dejaran correr. Pero después de casi treinta años sin dar señales de vida, el fundador Jon Ciorciari -ajeno al infortunio y mostrando una inquebrantable perseverancia en su cometido- aprovecha el confinamiento forzado por la pandemia de la covid-19 para reunir telemáticamente a los cinco componentes originales de Out Of Darkness y, con el remodelado nombre de Return To Darkness, decide lanzar al mercado “Eternal”, un trabajo que incluía la regrabación de lo mejor de lo mejor de la cosecha surgida durante el periodo de la encarnación en la década de los noventa. Los temas, con un evidente lavado de cara y una producción actual, desentierran la particular interpretación de un thrash metal técnicamente pulcro y con acento melódico (sobre todo por la voz de Ron Roshong que en White Sea puede llegar a recordar a la de Mr. Shadows de Avenged Sevenfold) que, según la nota de prensa, gustará a los fans de Metallica, Slayer y Pantera, y entre los cuales tendríamos que contar también a los de Anthrax.
La versión en disco compacto que hoy nos ocupa y que conserva la grabación y la producción original de Jonny Rod (el alter ego de Ciorciari), ha sido remasterizada por Jamie King Audio y supervisada por Mathew H. Rudzinski de Tribunal Records Inc., mientras que el libreto ha sido renovado con ilustraciones, letras y fotos completamente nuevas, y la portada ha relevado la imagen de la ensangrentada puerta cerrada a cal y canto de un local nocturno localizado en un inhóspito callejón, presente en la edición digital, por la de una tenebrosa casa escondida en medio del bosque.
Entrando propiamente en materia, si bien lo han titulado “Eternal”, como es sabido todo álbum tiene un principio y un final... Así, el envolvente riff de Eternal Chain que nos conduce hasta los melódicos versos del estribillo, que saltan por los aires con el veloz cambio de ritmo reforzado por unos beligerantes coros, es la acometida que marca los primeros compases del trabajo.
Pain es una fantástica pieza que esconde una descarga de abrumadora contundencia formada, por un lado, por el muro impenetrable de la batería de Forrest Leighton y las guitarras de Jon Ciorciari y Greg Paravati, y por la riqueza de registros por parte de Ron Roshong en la hora de atacar las líneas vocales.
White Sea no acaba de arrastrarnos hacia sus aguas, a pesar de su indeleble cadencia acompasada, mientras que la inmediata Quarter To Ten desata a boca de jarro la vertiente más groove del quinteto y el título I Remember, con su cadencia arrastrada, pegajosa y oscura, nos presenta otra cara de los americanos salpicada por la viscosa densidad del doom.
HBIT (Heart Beat In Time) es un tema correcto dentro de los parámetros del estilo, pero no vas más allá de esto. En cambio, All In Time nos ofrece un riff indeleble encima del que la interpretación de Roshong se mueve magistralmente entre la rabia impresa en las estrofas y la intensidad melódica del estribillo.
Another World puede recordarnos fácilmente a Pantera, puesto que su patrón compositivo es notablemente próximo al de la banda de los hermanos Abbott, principalmente por el tipo de riffage pesado y rítmico y por las líneas vocales preñadas de agresividad.
El bajo contundente de Sean Weiss se convierte en la columna vertebral de Texas BBQ, una pieza que en poco más de dos minutos concentra ritmos entrecortados, cambios de tempo y un verso principal que vuelve a enfocarse hacia territorios más melodiosos de los que podríamos imaginar.
Wouldn't You Like To Know con su embelesadora cadencia sincopada te hace agudizar el oído desde el primer compás, y el profético título Go Away, un fantástico rock “metalizado”, indica la irrefutable consumación del álbum. Un disco con unas canciones largamente meditadas y fruto de la pasión desmesurada por el thrash de cinco personas que creyeron que su herencia no podía quedarse silenciada bajo las tinieblas y vuelven al corazón de la negrura para recuperarla.
Ahora, con conocimiento de causa, detengámonos un momento, reduzcamos el intenso ritmo existencial y aprovechemos para dar un par de vueltas a los interrogantes planteados a comienzos de la reseña. ¿La existencia anodina de Out Of Darkness fue sólo consecuencia de la mala fortuna y de la travesía del desierto a la que se tuvo que enfrentar el metal durante la primera mitad de la década de 1990? ¿El poco interés generado por la edición digital de ”Eternal” se deriva sólo de la inconsistente y excesiva celeridad con la cual decidimos -con el simple movimiento de un dedo- si una canción vale o no la pena? ¿Y finalmente, será esta publicación en disco compacto la que permitirá una escucha paciente y hará emerger en los seguidores del metal las virtudes de una formación que había sido condenada al ostracismo? ¿O contrariamente, los esfuerzos de músicos y discográfica no servirán ni siquiera para que Return To Darkness se gane un reconocimiento testimonial en el nicho destinado a las formaciones irrelevantes? En tu interior la respuesta está, joven headbanger...
Sitio web: www.returntodarknessmusic.com (M.M.)

CRYSTAL SKULL: “Arcane Tales” (2025) (Underground Symphony Records)

 

1. Prelude To Darkness (Intro) 2. Gates Of Skull 3. Prisoner In The Night 4. Stormbreaker (Turok's Axe) 5. Hall Of Eternity (Intro) 6. Ancient's Ritual 7. Am-Aras (Black Lord) 8. The Underdark 9. Queen Of The Black Moon (Erevyn's Fate) 10. Horizon's Nightstorm  (instrumental) 11. Defenders 12. Glory Or Damn 13. Homecoming (Regdar's Tragedy)

Cinco años después de publicar “Ancient Tales” (el primer capítulo de la trilogía fantástica que narra el viaje de tres héroes a través de un mundo devastado), el puntal que ha estado al pie del cañón de Crystal Skull desde 2007, Claudio "The Reaper" Livera, ha decidido darle continuidad discográfica. Y lo ha hecho mediante un segundo trabajo que, como su predecesor, hará perder la cabeza a los amantes del power/speed metal de ascendencia germánica que bebe de las fuentes de Running Wild, Gamma Ray y Blind Guardian (los tres nombres con los que mejor se identifica el proyecto personal de Claudio Livera) y que tampoco no hace ascos al influjo de los británicos Iron Maiden. Si pusieran en una batidora los riffs galopantes de los primeros, los coros gloriosos de los segundos y la temática fantástica de los terceros, seguramente obtendríamos como resultado una aleación muy fiel a la que nos ofrecen Crystal Skull en “Arcane Tales” y que se puede fraguar con términos como velocidad, épica y melodía.
En comparación con “Ancient Tales” (en el que Livera puso la voz, grabó las guitarras junto con Marco Falanga y se encargó él sólo del resto de los instrumentos), la sónica general de esta nueva entrega goza de una mayor madurez y riqueza, a buen seguro y en gran parte, por la incorporación al proyecto del batería Fabio Tomba y el vocalista Lorenzo Nocerino, dos excelentes fichajes a los que cabe sumar la colaboración en varios temas del bajista Andrea Franceschi y los guitarristas Alessandro "Nervo", Alex Corona y Carlo Venuti. Las incorporaciones de Tumba y Nocerino (a las que también hay que añadir recientemente la del guitarrista Alessandro Visintin), conforman una banda de pleno derecho, lejos del embrionario proyecto en solitario a través del cual Livera quería dar vía libre a su pasión por el power metal alemán, paralelamente a su contribución en Black Raven y Violent Assault en donde tocaba la guitarra y el bajo, respectivamente.
El nuevo trabajo, publicado físicamente como digipack de lujo de edición limitada, ha sido producido por los propios Crystal Skull en sus estudios, y mezclado y masterizado por Alberto Melinato en los Bridge Produzioni Audio Studios. Todos ellos han remado hacia la misma dirección, aquella profundamente fijada en la sonoridad de los álbumes que las bandas de referencia de “The Reaper” Livera lanzaron durante la década de los noventa.
Como muy bien explica la nota de prensa que acompaña al lanzamiento, la travesía del enano Turok, el mago Regdar y el elfo Erevyn continúa por el mundo mágico de Arendal que ha sido devastado por el ejército del Señor de las sombras Am-Aras y serán las nuevas batallas, pruebas e, incluso, luchas personales internas las que guiarán las peripecias de los tres héroes en la búsqueda del antiguo poder de las calaveras de cristal que debería derrocar al despiadado tirano. Este argumento de épica fantástica aparece perfectamente plasmado en la imagen de la cubierta, obra de Fabio Babic (ilustrador de la novela gráfica “Dragonero”), concebida como si fuera la portada de una novela de fantasía a través de la que los lectores pueden hacerse una clara idea de lo que se encontrarán en el interior.
Prelude To Darkness, una introducción con tintes cinematográficos, comienza con una breve narración de la historia que se desarrollará a través de los siguientes doce cortes y enlaza a continuación con una sección instrumental con unas armonías de clara influencia “maidenesca”.
Gates Of Skull, tiene un bravo matiz marcial y una sonoridad más cercana a la banda de Rolf Kasparek y sus piratas de Port Royal, y en la que Nocerino deja las primeras muestras de su versátil registro.
En la extensa Prisoner In The Night hay un agradable resabio a la obra de Kai Hansen cuando emprendió su travesía hacia la Tierra de la libertad y, en consecuencia, el estribillo y el latido global del tema vienen preñados de épica majestuosa.
Stormbreaker (Turok's Axe) es el primer sencillo que precedió la publicación del álbum. Según palabras del multiinstrumentista de Gorizia, la canción se había concebido para transmitir de forma fiel el poder de la nueva hacha del enano y, por tanto, debía golpearnos de forma directa e implacable. Y es así como nuestros oídos reciben el poderoso riff y el hímnico coro de esta arrolladora canción.
Ancient's Ritual, precedida del breve epílogo Hall Of Eternity, comienza con una llameante melodía de guitarras, progresa hacia una cadencia más pausada y oscura -que encaja como un guante con su trasfondo de hechicería- y con la estrofa principal recupera el inalterable pulso homérico latente en el disco.
Am-Aras (Black Lord), con un riff constante e imparable y una batería rauda y galopante, retumba despiadadamente vertiginosa, mientras que la armonía con la que se fusiona el solo es sencillamente maravillosa.
En The Underdark la banda nos presenta un mid tempo cercano al heavy metal de corte clásico que en palabras de Livera nace de las entrañas de antiguos mitos y oscuros reinos olvidados, y en Queen Of The Black Moon (Erevyn's Fate), desde la irrupción del verso inicial, es imposible no revivir la grandilocuencia con la que nos atraparon sus compatriotas Rhapsody.
La breve instrumental Horizon's Nightstorm es el preludio de Defenders, un tema con el que los italianos reanudan la agresividad y la velocidad fusionadas con melodía, una fórmula que reduplican en Glory Or Damn (Turok's Damnation) con dosis extra de ardorosa épica y agudos penetrantes.
Homecoming (Regdar's Tragedy) es la mayúscula epopeya de casi diez minutos con la que Crystal Skull concluyen la segunda parte de su trilogía. Una sublime y compleja composición con pasajes acústicos, fragmentos intensos, atmósferas diversas y ritmos cambiantes que pone la guinda a “Arcane Tales”.
En resumidas cuentas, Crystal Skull parece haber abierto nuevamente un portal multidimensional a través del cual se viaja a la época en la que el power metal era el centro gravitatorio del género. Con “Arcane Tales” la formación ha creado un disco al que fácilmente se le puede colgar el sambenito de ser un refrito de claras y manifiestas influencias, pero es consabido que el verdadero propósito de Claudio “The Reaper” con este proyecto no es otro que disfrutar sin trabas de difundir la esencia de los fundamentos que definen un estilo que le apasiona y que idolatra. Teniendo esto presente, es un disco sobradamente logrado, honesto, sincero y apasionado como para embelesar tanto a los seguidores de formaciones como Blazon Stone, Rocka Rollas y Stormwarrior, como a los de Grave Digger o Iron Savior. Y no olvidéis su arenga: ¡Los amos del Cristal cabalgan con vosotros! ¡Los señores de la Calavera vuelven a alzarse!
Sitio web: www.facebook.com/CrystalSkullProject (M. M.)

GREY CZAR: “Euarthropodia” (2025) (Octopus Rising/Argonauta Records)

1. Eschaton 2. Withered World 3. Insects Took Over 4. Trooping For Euarthropodia 5. Ballad Of Propellerheads 6. Queens Of The New World 7. Nutritional Protocol 8. Arthrobotic Liberty 9. Aeon

En el mismo instante en que la decadente raza humana entra en un período de extinción irremediable, la Tierra y sus biomas son colonizados y sometidos por una ramificación de artrópodos que tiene como objetivo levantar su propio imperio de invertebrados, el reino de Euartropodia. Tristemente, la sobreexplotación de los recursos y la desidia de las clases dirigentes lleva a la caída de ese reino naciente. Pero siempre quedará una brizna de esperanza al amparo de un nuevo comienzo... Este futuro distópico es la original trama sobre la que gira el nuevo álbum conceptual que lleva por título “Euarthropodia” y con el que se ha descolgado la singular banda austríaca Grey Czar. Nacidos en la ciudad de Salzburgo en 2010, este grupo de camaradas formado por Wolfgang Brunauer (vocalista y bajista), Roland Hickmann (vocalista y guitarrista), Florian Primavesi (vocalista, guitarrista y teclista) y Wolfgang Ruppitsch (batería y percusionista), lanzó el primer disco titulado como la misma banda en 2012, dos años después estrenó el EP "The Men Who Harvest The Sea" y cuatro años más tarde publicó "Boondoggle", un segundo larga duración que afianzó el proyecto. Una vez superadas diferentes vicisitudes de carácter económico, este pasado mes de abril vio la luz “Euarthropodia”, su nueva referencia discográfica que ha sido producida y mezclada por el propio bajista Wolfgang Brunauer y el resto de Grey Czar -que también firman todas las composiciones-, mientras que Antonio Ilievski se ha hecho cargo de la Ilustración de la portada.

La peculiaridad de la que hablábamos en el párrafo anterior va más allá del hilo argumental que sus canciones tejen a modo de los capítulos de una obra de ciencia ficción, y abarca también el crisol de estilos que el cuarteto pone en juego. Si bien principalmente ellos enmarcan su propuesta dentro del heavy rock, también se definen como “una bestia roquera con guitarras, bajo, teclados, batería y líneas vocales interpretadas por tres cantantes diferentes”, y creo que este grandilocuente apelativo es el que mejor ilustra su letanía estilística que comprende elementos de rock duro, progresivo, psicodélico, desértico y un componente metálico primario. Como decíamos, es este cañamazo el que convierte su propuesta en algo tanto o más particular que el mismo argumento orwelliano del que bebe “Euarthropodia”.

Eschaton arranca con una pegajosa armonía que acompañará inmutable a las primeras estrofas hasta la llegada del robusto estribillo y tiene en los fragmentos instrumentales que transitan entre las dos partes antes mencionadas los puntos de máxima intensidad de la canción.

Withered World presenta una expresión lastimera con sus frágiles cuerdas acústicas haciendo de almohada a las voces, hasta que adquieren distorsión, se convierten en penetrantes y preceden al colérico verso principal.

Una melodía sangrienta de guitarra es la antesala de Insects Took Over, una pista con unas mágicas notas de Hammond que nos trasladan al hard rock de principios de los setenta y que se convierten en el magistral contrapunto a los aires marcadamente contemporáneos del intenso estribillo de Trooping For Euarthropodia que irrumpe sin que nos hayamos dado cuneta y nos regala una inspiradísima sección instrumental en el tramo final.

Ballad Of Propellerheads es una pieza que encarna el sonido arquetípico de estos cuatro jinetes que, como explican ellos mismos, combina “momentos delicados y relajados con melodías enérgicas y riffs crudos”.

Queens Of The New World levanta el vuelo con unos acuerdos desafiantes y nos deslumbra con unos momentos que muestran la vertiente más progresiva de la formación, mientras que en Nutritional Protocol las primeras y suaves notas desenchufadas se alternan con los oscuros y “sabbáthicos” latigazos centrales.

Los teclados de Florian Primavesi en Arthrobotic Liberty parecen tocados por el fallecido maestro Jon Lord, recreando nuevamente el hechizo de bandas como Deep Purple o Uriah Heep y Aeon, es denso y tiene una cadencia pausada y rocosa durante las primeras tres cuartas partes. Pasados estos minutos, los músicos aprietan el acelerador y acentúan el cariz épico del tema que sirve de colofón al elepé.

Grey Czar es una agrupación que no sigue ninguna moda ni estilo actual, pero tampoco se trata de una más entre las muchas bandas de revival en el sentido estricto de la palabra. Es una rara avis de aquellas que deciden construir su propia carrera haciendo lo que quieren y les gusta, sin importarles lo más mínimo cuál es la tendencia imperante o que aporta más beneficios. Por su parte, “Euarthropodia” es un álbum anticomercial desde el mismo momento en el que el bajista Wolfgang Ruppitsch presentó a sus compañeros la idea imaginaria de un futuro postapocalíptico con insectos repoblando una Tierra en la que se ha extinguido la especie humana. Sin embargo, es la atemporalidad que aporta el sonido, junto con la especificidad de la temática mencionada, la que convierte el trabajo en una pieza singular y personal que vale, y mucho, la pena.

Sitio web: www.greyczar.com (M. M.)

HARMONIZE ORACLE: "Before the oracle" (2024) (Independiente)

1. Chained Spirit 2. Phoenix 3. Crawling Among Shadows 4. Another Holy War 5. Shield Wall

Abrimos con este buen EP del año pasado de una banda chipriota, con un combinado de hard rock melódico, power metal oscuro, progresivo y con arreglos sinfónicos con ritmos y movimientos nítidos, riffs amplios y voces limpias y guturales bien manejadas con esa influencia death.

En el inicio del EP con "Chained Spirit", intensos riffs, toques atmosféricos, tempos en constante cambio, que se pueden escuchar, en "Phoenix” (cover de Satyricon) hasta cierto punto con influencia del Black metal melódico, ese doble blast que acompaña a la canción es algo distintivo, “Crawling Among Shadows” tenemos una canción un poco más instrumental y de bastante duración con ese estilo power/death metal bien ejecutado! Y en "Shield Wall” (cover de Amon Amarth) tenemos un estilo muy semejante a la canción anterior pero con el sello de la banda. Por cierto, las voces con excelente matiz emocional se pueden distinguir de manera genial!

De hecho, la banda lo comenta: Este EP sirve tanto de homenaje como de despedida a nuestro pasado. A través de Before the Oracle, celebramos nuestra evolución con una colección de emocionantes temas nuevos, así como selecciones remasterizadas de Warrior In the Night. El EP también incluye una versión especial de «Another Holy War» del concurso de canciones de Blind Guardian's Imagination.

¡Excelente EP! Bien hecho con variados matices musicales, para todo fan de estos estilos les gustara!

Sitio web: www.harmonizeofficial.com (R.Z.)

SUNLIGHT: “Son Of The Sun” (2024) (Total Metal Records)

1. Son Of Fire 2. Thoughts Of Despair (Apognosis) 3. Forever Lost 4. Mystery 5. Secret Of Silence 6. Echoes Of Hope 7. Can't Let You Go 8. Bridge Of Life 9. Sunrise

Desde la histórica región griega de Ática y con la suavidad y delicadeza propia de los tonos carmesíes que acompañan la luz crepuscular de la aurora, a finales del año pasado llegó a las estanterías de todo el mundo “Son Of The Sun”, el segundo elepé de los atenienses Sunlight. Un nuevo álbum que se publica casi diez años después de su primer larga duración titulado “My Own Truth” y que viene marcado por la renovación casi completa de la formación anterior (de la cual sólo quedan el guitarrista Makis Kaponis y el teclista Panos Anastopoulos) y por el volantazo hacia una dirección musical que abandona la ruta del hard rock melódico por la cual habían transitado desde su fundación el 2009 y que también impregnaba su primogénito EP “Rockin' All Around”. Amparados por este viraje, trazan una hoja de ruta orientada hacia un power metal igualmente melodioso con gran presencia de teclados y que nos puede recordar tanto a Sonata Arctica como Stratovarius.
Si bien este “Son Of The Sun” tenía previsto publicarse en torno a 2019, la pandemia de la covid-19 primero y, posteriormente, la marcha del cantante, el bajista y el batería -relevados con impecable solvencia por Mike Karasoulis, Manos Karachalios y Andreas Kalogeras, respectivamente- retrasó su lanzamiento hasta nuestros días.
Dejando a un lado los aspectos extramusicales, y centrándonos nuevamente en la faceta artística, la producción y la mezcla del álbum se llevaron a cabo en los Devasoundz Studio y recayeron en Fotis Benardo (productor de bandas como Nightfall o Fortress Under Siege), la masterización estuvo realizada por George Nerantzis (encargado de trabajos de Pain of Salvation o Rotting Christ) y el arte de la cubierta fue obra de Gustavo Sazes (responsable de dar vida a las carátulas de numerosas bandas como Avalanch, Kamelot, Firewind, Angelus Apatrida, Arch Enemy o Bloodhunter).
Por otro lado, y prestando atención a los significados que hay detrás las letras de las canciones, el grupo se apresura a aclarar en la hoja de prensa promocional que son textos a través de los cuales “exploran un espectro de emociones y experiencias a través de nueve historias diferentes, profundizando en temas como la vida y la muerte, la esperanza y la desesperación, el amor y el odio.” Son estas combinaciones de palabras y verbos las que, junto con “unos ritmos enérgicos, unos laboriosos trabajos de las guitarras y unas orquestaciones exuberantes”, caracterizan este plástico de Sunlight.
La inicial Son Of Fire tiene una bonita melodía de teclados rematando el final de las estrofas, una heroica vuelta y un solo compartido de guitarra y teclas que acaba en una fantástica armonía.
Thoughts Of Despair (Apognosis) empieza solemne, profunda y con unos cantos corales disparados por Panos Anastopoulos, mientras que es Makis Kaponis quién secunda aquí con sus riffs las frases de Mike Karasoulis y se encarga individualmente y con destreza de la parte solista.
Forever Lost irrumpe con toda la banda a rienda suelta, contiene una galopante y prominente línea de guitarra, unas interesantes notas de teclados y un emotivo y alentador verso principal muy bien defendido por Karasoulis.
Mystery es un fantástico power de manual, cargado de épica y dominado de arriba abajo por el instrumento de Anastopoulos, con unas excelentes estrofas con el bajo, la batería y la voz en un primer plano y los riffs de guitarra acabando de redondear la pieza. Por cierto, Panos y Makis vuelven a batirse en un enconado duelo que acaba de nuevo en tablas.
Secret Of Silence es la balada del disco. Construida sobre el esquema habitual de este tipo de composiciones -acordes acústicos acompañando una atribulada interpretación vocal, previsible irrupción de la banda al unísono marcando el pico de máxima intensidad y posterior solo de guitarra cargado de sentimiento- suena bastante insulsa y no creo que se erija en la pista más recordada de este “Son Of The Sun”.
Echoes Of Hope arranca enérgica, con la línea de guitarra guiando el rumbo a seguir por los versos y un estribillo marcado por un sabio cambio de ritmo, mientras que Can't Let You Go marca músculo con su riff entrecortado y con la llegada del verso principal entrecruza el presente musical de la banda con el pasado fijado en el hard rock melódico de sus primeras referencias.
Y cuando parece que el disco compacto pierde interés con Bridge Of Life, a pesar de contener un bonito pasaje con sintetizador, los helenos demuestran tener un as en la manga con Sunrise, la pieza con que recuperan el pulso más heroico del estilo que ahora defienden, con una memorable segunda parte con fragmentos oscuros y coros épicos que concluyen el trabajo por todo lo alto.
“Son Of The Sun” hará disfrutar sin lugar a duda a los amantes del power metal, un estilo que murió de éxito, pero que todavía conserva una irreducible base de fieles seguidores. Un buen trabajo que abre una nueva vía en la corta y cambiante discografía del quinteto griego.
Sitio web: www.facebook.com/SunlightTheBand (M. M.)

IRONBOUND: “Serpent’s Kiss” (2024) (Ossuary Records)

 

1. Doomsday To Come 2. Holy Sinners 3. Serpent's Kiss 4. The Destroyer Of Worlds 5. The New Dawn 6. Forefathers’ Rites 7. Vale Of Tears 8. The Healer Of Souls

Recién salido del horno llega a nuestras manos el segundo larga duración de Ironbound, de título “Serpent’s Kiss”, un trabajo precedido en el tiempo por la maqueta “She-Devil” (2017), el sencillo “Witch Hunt / Lifeblood” (2018) y la opera prima “The Lightbringer” (2021).
Desde el primer surco del disco queda patente que el propósito de la banda no es otro que ensanchar la base sonora del estilo surgido con la eclosión de la NWOBHM para celebrar con ello la obra y milagros de su formación de cabecera, los londinenses Iron Maiden.
Un hecho como este no debería ser negativo per se (cada uno debe expresarse a su libre antojo, faltaría más), pero cuando es más que evidente que el modelo de la dama de hierro da muestras de entumecimiento, favorecido por su personal e implacable sello, encontrarnos con una banda que revisita todos los tics punto por punto y en grado supino (a saber: melodías armonizadas de guitarra, bajo cabalgante, rimbombantes redobles de batería y una voz de tesitura cercana a la de Blaze Bayley, aunque de matices más limitados), nos hace reflexionar sobre si es preciso estirar tanto el chicle, cuando tal vez éste ya no dé para más.
Pero para gustos colores y como no somos nadie para dilapidar la labor de aquellos que con su música alimentan nuestras almas -más allá de dar una simple y mera opinión-, debemos ser justos con la agrupación polaca formada en la ciudad de Rybnik en 2014 por Zbigniew Bizoń en el bajo, Adam Całka en la batería, Łukasz Krauze en la voz y Michał Halamoda y Krzysztof Całka en las guitarras, y valorar sus temas en su justa medida, dejando de lado los prejuicios propios.
Doomsday To Come rezuma cien por cien esencia maiden, contiene un estribillo muy bien construido y da muestras fehacientes del excelente rendimiento que Michał Halamoda ofrecerá a las partes solistas de guitarra a lo largo de todas las pistas. Este profundo apego que los polonos tienen por la banda de Steve Harris se hace todavía más evidente con el segundo corte Holy Sinners, el ejemplo más claro que encontraremos de la devoción absoluta que Ironbound rinde a los británicos.
El tema que da título al disco nos acerca a un estilo más personal y menos encorsetado, permitiéndonos disfrutar del lance entre el golpeo de los tambores y los riffs por parte de los hermanos Całka, así como de un par de fantásticos solos, mientras que The Destroyer Of Worlds, con una hipnótica línea de guitarra, una arrolladora instrumentación y una combinación de diferentes atmosferas, nos brinda otra estrofa principal excelentemente hilvanada.
The New Dawn empieza calmoso para dar paso a un medio tiempo sin mayores pretensiones, Forefathers’ Rites retoma el pulso con otra laboriosa interpretación solista a cargo de Halamoda, del mismo modo que también lo recupera el siguiente tema, Vale Of Tears, aunque ninguno logre evitar que la segunda mitad del trabajo se suma en la apatía. Finalmente, la extensa The Healer Of Souls impregna de épica los últimos minutos del álbum al que poco más nos queda por añadir, salvo una irrebatible proclama: Up the Irons!
Sitio web: www.facebook.com/ironboundpl  (M. M.)

IMARI TONES: “Nabeshima" (2021) (Sliptrick Records)

 

NdE: Aun cuando la política de reviews en Rocka Rolla Web Zine es clara en cuanto a no reseñar trabajos de mas de un año de editados, en este caso haremos una excepción merced a la deferencia y buena onda de la banda en enviarnos su material y no hacer la típica avivada de enviar el link de descarga, costumbre cada vez mas arraigada tanto en bandas y sellos, ya sea foráneos como nacionales.

CD1: 1. Passion 2. Lord's Prayer 3. Sakura Day 4. Atomic Jam 5. 123,4&5 6. Sakura Night 7. Extravaganza 8. Chanbara 9. Yamagoya3 10. Jidai 11. Bloodthirsty 12. God Anthem

CD2: 1. Crucified Boy 2. Sonic Soldiers 3. The Garden 4. Who Are You 5. Sengoku Christians 6. Screaming Sin 7. Matsuo 8. Once In A Lifetime 9. Redemption 10. Tsukuru 11. Not Of This World 12. Utage

Autoproclamados como “el primer grupo japonés de heavy metal cristiano”, Imari Tones nos hacen llegar su noveno y último larga duración bajo el título de “Nabeshima", nombre que reciben las porcelanas de mayor calidad realizadas en el archipiélago.

Si bien el proyecto arrancó años antes de la mano de su líder, guitarrista y vocalista Takahiro “Tone” Nakamine, el trío oriundo de Yokohama -formado bajo el nombre de Imari Tomes en 2004 y completado en la actualidad por Marie al bajo y Shinryu a la batería- nos presenta un disco doble con dos docenas de temas, de los cuales 11 están cantados en inglés, otros tantos en japonés y dos son piezas instrumentales (Yamagoya3 y Tsukuru). El resultado de tal excesivo volumen de material es un desatinado popurrí que reúne pinceladas de soft y alternative rock, tintes progresivos y experimentales y, siendo muy generosos (y para no contradecir a la banda, todo sea dicho), algún remoto rastro de metal. Tal desmesura de dispares sonidos, embutidos sin demasiado ton ni son y enlazados siempre por la dulce y melodiosa voz de “Tone” Nakamine, acaba convirtiéndose en un atracón de difícil y pesada digestión.

En el espectro roquero encontraríamos los melódicos y logrados estribillos de Lord's Prayer y Sakura Day, la deliciosa semibalada titulada The Garden, la luminosa melodía de Who Are You y la festiva de Not Of This World, mientras que los matices más alternativos brillarían en Sakura Night, Chanbara y sus oscuras voces, Jidai con su cadencia sincopada y su bonita estrofa principal, así como en Bloodthirsty, Matsuo y Utage.

En una onda a medio camino entre lo progresivo y lo experimental nos toparíamos con Atomic Jam, Extravaganza, Once In A Lifetime y Redemption, y finalmente, dentro del abanico más próximo a los sonidos metálicos tendríamos la inicial Passion con su ritmo entrecortado, 123,4&5 y sus manifiestas influencias de la NWOBHM, God Anthem y el brillante trabajo de Nakamine a las seis cuerdas, la excelsa Sonic Soldiers, el dinamismo de Sengoku Christians y sus gritos de guerra samuráis, y Screaming Sin con un riff lacerante e intensas estrofas.
Quizás, si hubiesen publicado como en otras ocasiones un EP con 5 o 6 canciones (o si mucho me apuras, un álbum con 10 u 11) estaríamos igualmente ante una singular obra que fusiona las creencias cristianas con la sutil pátina de la lírica tradicional japonesa, pero muchísimo más accesible para los oídos poco avezados a semejante demasía.
Tal vez no se hizo la miel para la boca de asno de quien esto suscribe, así que sea cada cual el que decida unirse o no a las plegarias que esta tríada de presbíteros nipones se ha esforzado en convertir en música sacra. Que Dios los tenga en su santa gloria. Amén.
Sitio web: https://imaritones.net/ (M. M.)

THUNDERMAKER: “The Road” (2021) (Sliptrick Records)

NdE: Aun cuando la política de reviews en Rocka Rolla Web Zine es clara en cuanto a no reseñar trabajos de mas de un año de editados, en este caso haremos una excepción merced a la deferencia y buena onda de la banda en enviarnos su material y no hacer la típica avivada de enviar el link de descarga, costumbre cada vez mas arraigada tanto en bandas y sellos, ya sea foráneos como nacionales.

1. The Road (con Ronny Munroe) 2. Fire Burns Forever (con Tim “Ripper” Owens) 3. Broken Promises (con Ronny Munroe) 4. A Twin Flame Journey (con Ronny Munroe) 5. Fake (con Lars-Göran Petrov) 6. Symbiosis (con Rille Larsson) 7. The Runner & The Chaser (con Tim “Ripper” Owens) 8. Where Sorrow Dwells (con Rille Larsson) 9. 1111 (con Ronny Munroe) 10. Mi-Ya (Instrumental)

Con el señuelo de una “ópera metálica sueca” el multinstrumentista Marty Gummesson nos presenta “The Road”, el tercer trabajo conceptual de su proyecto Thundermaker y en el que trata “los viajes mentales y el despertar de nuestras almas. Un relato sobre cómo nos relacionamos unos con otros y reaccionamos ante las circunstancias que nos rodean. Una crónica sobre nuestro viaje en la vida y cómo seguir al corazón, los sueños y nuestras metas”.
La historia de este proyecto personal se remonta al año 2013 en la ciudad de Karlshamn de la mano de Gummesson y el batería Eddie Juneskär. Éste último, tras participar en los anteriores discos “The Thundermaker” (2014) y “Gods of the Earth” (2018), se bajó del barco y dejó a nuestro protagonista sólo ante el peligro en “The Road”, un álbum que contaba con un destacable elenco de vocalista invitados formado por Ronny Munroe (actualmente en Vicious Rumors), “Ripper” Owens (en este momento en K. K’s Priest), el desaparecido L-G Petrov (Entombed AD) y Rille Larsson (Supreme Majesty), y que ahora vuelve a la actualidad merced al lanzamiento de una edición limitada. Pero más allá de la prometedora relación de reconocidos cantantes y del incuestionable esfuerzo volcado por Gummessom durante todo el proceso de creación (muestra de ello la encontramos en los extenuantes solos de guitarra que nutren todas y cada una de las pistas), las composiciones planas y la inexistente variedad de tempos sobrecargan las piezas de un trabajo que suena excesivamente lineal, aburrido y, por qué no decirlo, hasta cierto punto decepcionante.
El tema homónimo abre la lata con un riff uniforme salpicado por notas de teclado y un Ronny Munroe un tanto titubeante en el comienzo, pero que recupera el pulso en el buen estribillo, Fire Burns Forever tiene unas guitarras crujientes que dan paso a un ritmo animado con un Ripper Owens que nos atraviesa con sus agudos imposibles en el verso principal, y Broken Promises cierra la tripleta inicial sonando siniestra y oscura, con un registro vocal que casa de maravilla con la atmósfera de la pieza.
A Twin Flame Journey brilla con una delicada entonación en las primeras estrofas y cierto groove en el estribillo, mientras que la plúmbea y descarnada Fake, con la participación del desaparecido L-G Petrov, se distancia estilísticamente de la tónica general del álbum más cercana a un power metal americano bastante genérico.
Symbiosis, a la postre la canción más redonda del plástico, luce un riff trabajado y dinámico, así como un amplio abanico de registros por parte de Rille Larsson, en tanto que la pesada The Runner & The Chaser cuenta con un notable patrón de batería y una voz atribulada de Ripper que se desdobla en el rompedor puente.
Where Sorrow Dwells tiene cierto resabio a Rainbow y una excelente interpretación por parte de Mr. Larsson, los teclados de 1111 junto al registro susurrado de Munroe tiñen la pieza de un conseguido ambiente apesadumbrado y, despidiendo la opereta, la instrumental Mi-Ya despliega un pegadizo motivo melódico.
En definitiva y ratificando lo dicho anteriormente, “The Road” resulta ser un álbum aparentemente muy apetitoso, pero omitiendo lances ocasionales no logra cumplir con las expectativas depositadas. ¡Desilusión mayúscula!
Sitio web: www.facebook.com/officialthundermaker (M. M.)

C.K.O.: "Are You With Me" (2021) (Sliptrick Records)

NdE: Aun cuando la política de reviews en Rocka Rolla Web Zine es clara en cuanto a no reseñar trabajos de mas de un año de editados, en este caso haremos una excepción merced a la deferencia y buena onda de la banda en enviarnos su material y no hacer la típica avivada de enviar el link de descarga, costumbre cada vez mas arraigada tanto en bandas y sellos, ya sea foráneos como nacionales.

1. Rock It  2. Sicario 3. Hold On 4. Goin’ Crazy 5. Fast Line 6. Borderline 7. Go Down 8. Save Me 9. Tomorrowland 10. Locked Inside 11. Take A Chance

Este albúm comienza con un súper ritmo netamente puro de HardRock Metal genial! Nos remonta a esos años dorados del Metal! Con Rock it! Con Sicario nos recuerda a esos ritmos glamorosos, pesados de HardRock como de Quiet Riot, Motley Crue entre otros! La voz queda perfecta como tal, aspera, dura y pesada, con Hold on la misma línea musical un poco mas lenta, con Goin’ Crazy vamos con un heavy metal más rápido y energético!
Me recuerdan mucho además a Twisted Sister con ese mismo estilo y potencia, en Fast Line, Borderline muy semejantes desde el comienzo Go Down y Save Me cambia por completa el panorama con una balada, la batería y el bajo van de la mano bastante bien, en Tomorrowland tenemos un poco el camino de vuelta a ese HardRock y Heavy Metal pero esta vez suena un poco más ligero y algo oscuro con riffs con ese pesado hard rock bastante marcado y hasta cierto punto en todas las canciones bastante melódicos, en Locked Inside tenemos la canción con mayor ritmo pesado, contundente y continuo con ese riff principal denso con un gancho fuerte dentro de sus canciones hasta el momento, y cerrando fuertemente con un ritmo más lento e igual de pesado en Take A Chance.
El grupo de metal sueco C.K.O. lanzo este álbum, Are You With Me, a través de Sliptrick Records el 14 de diciembre de 2021, con un sonido y estilo de Hard Rock y Heavy Metal clásicos de los 80 con melodías fuertes y enérgicas! Un buen albúm clásico de un potente Hard Rock!
Sitio web: www.facebook.com/profile.php?id=100063521290088 (R.Z.)

ASYLUM PYRE: "Call Me Inhuman – The Sun – The Fight – Part 5" (2023) (Season of Mist)

1. Virtual Guns 2. Fighters 3. The True Crown (I Seek Your War) 4. Happy Deathday 05. There, I Could Die 6. Sand Paths 7. The Nowhere Dance 8. A Teacher, a Scientist and a Diplomat 9. Underneath Heartskin 10. The Mad Fiddler 11. Joy 12. Call Me Inhuman

El quinteto francés Asylum Pyre con el nuevo álbum es una continuación del concepto que han trabajado durante los cinco álbumes anteriores el cual combinan Power y Symphonic Metal para construir un albúm más melódico.
El álbum abre con Virtual Guns, una pista que tiene canticos tribales, hay momentos de gaita, las guitarras son pesadas y caen intermitentemente para resaltar su potencia y tono. El ritmo es variable, lo que permite capas de otros estilos que van desde patrones de marcha populares hasta militaristas, la banda es una maestra en cambiar tempos, agregando muchos elementos de Metal Progresivo por momentos a su repertorio.
A medida que el álbum continúa, obtienes una amplia variedad de géneros y estilos combinados que tienen una textura cinematográfica, como en The True Crown tiene trabajo de guitarra flamenca española antes de que entren las pesadas guitarras y en Happy Deathday abre con voces acapella, con un riff de guitarra masivo.
Call Me Inhuman goza de unas estructuras y sonidos hasta comerciales, apto para todos los públicos y las voces masculinas no son extremas graves sí, siendo en Joy donde más se fuerzan los tonos vocales. Los solos de guitarra son rápidos y de ejecución cristalina con esa parte melodica, buen albúm de este 2023!
Sitio web: www.asylumpyre.com (R.Z.)

BOTOLPH DISSIDENTS: "The Back Of The Beyond" (2022) (Independiente)

1. From Cradle To Urn 2. The Back Of The Beyond 3. Sciolists 4. The Creeds Of Cowards 5. Unshriven 6. The Wolf Who Cried Boy

"Saben aquel que diu [dice] que se encuentran en Tokyo un americano, un japonés y un australiano durante un concierto...". Aunque parezca el comienzo de uno de los chistes que podría haber firmado el gran humorista catalán Eugenio, es el punto de partida del casual origen de Botolph Dissidents, un trío internacional con base de operaciones en la capital nipona y formado en 2007 por el líder, guitarrista y cantante Andrew McGuire, el bajista Hideo Ohara y el batería David Austin. Los tres coincidieron en una sesión improvisada de rock y metal organizada por el primero, quién posteriormente logró convencer a los otros dos para que aceptaran la propuesta de unirse a la banda que quería armar al margen de su trabajo como profesor de guitarra.
Ahora, un año después de la publicación de “The Back Of The Beyond” y tras superar varios contratiempos familiares, Botolph Dissidents se dispone a promocionar su debut. Un álbum en el que, sobre las raíces clásicas del género, la tripleta construye un paradigma metálico fusionando el sabor a power europeo con gotas de thrash americano y trazas de otros distintos estilos. A través de este acerado epítome, el combo aprovecha la tradición reivindicativa que con frecuencia acompaña al metal como la vía para denunciar diversas causas globales y de este modo dar voz a aquellos que están siendo silenciados y reprimidos.
From Cradle To Urn abre la lata con un riff imperecedero por encima del que McGuire nos acribilla con sus palabras, un intenso estribillo y un ritmo funky en su parte central. Le sigue el tema homónimo de densa cadencia inicial y de verso principal bañado por una fina pátina de power del viejo continente, en donde Andrew ejecuta con absoluta maestría varios solos con multitud de partes dobladas, dando la sensación de que no es un único guitarrista quien los interpreta.
La batería sincopada y el riff entrecortado son las señas de identidad de Sciolists, un tema que rítmicamente puede llegar a recordarnos al primero, mientras que en The Creeds Of Cowards la naciente cadencia marcial es el preludio de un desenfrenado baqueteo, una diabólica línea de guitarra y un cambio de ritmo con unas frases rapeadas que no desentonan en absoluto.
Unshriven rompe la pana con un monumental riff, unas estrofas cargadas de agresividad y un estribillo que apunta hacia la gloria (aunque lo lastran unos desangelados coros), y The Wolf Who Cried Boy cierra el plástico con grandilocuencia, velocidad y dejándonos con ganas de más.
Botolph Dissidents son unos intachables instrumentistas que con “The Back Of The Beyond” han dado a luz un gran disco, ameno y grato de escuchar. Un trabajo que toma la esencia de las añejas barricas del metal clásico y le añade aromas variados y dispares, siendo capaz de reunir bajo un mismo techo a fans de la vieja guardia y de nuevo cuño. ¡Échale una escucha, vale mucho la pena!
Sitio web: www.facebook.com/profile.php?id=100063549579703 (M. M.)

M-THEORY: "Five years of heavy and metal" (2022) (M-Theory Audio Records)

M-Theory Audio anuncio el comienzo de una celebración de un año de su quinto aniversario. La celebración de “Cinco años de Heavy & Metal” de todos los meses durante el año 2022 que conmemorarán tanto el poder como la diversidad de los álbumes que se han lanzado desde el inicio del sello en 2017, el diseño exclusivo inspirado en Bathory que refuerza el amor y poder por el metal subterráneo sobre el que se fundó el sello M-Theory y rinde homenaje a la lista de bandas que impulsan el género y que han ayudado a construir la base de esta misma.

Sinceramente es una antología diversa en géneros musicales donde encontramos a grupos de varias partes del mundo como Cemican de México con su música Folk Metal muy representativa de Mexico, tenemos a Immortal Guardian con su Heavy Power versátil y melódico y así con otros más en la inmensa lista que contiene esta antología.

Si eres mega fan de estos géneros y sobre todo haciendo alusión a un súper grupo de legenda del Black Metal como Bathory te va a gustar y merece estar dentro de la colección! Metal y Mas Metal! a mas no poder!

Sitio web: www.m-theoryaudio.com (R.Z.)

WITCH: "Inkwizycja 1990 - ..." (2018) (Thrashing Madness Productions)

NdE: Aun cuando la política de reviews en Rocka Rolla Web Zine es clara en cuanto a no reseñar trabajos de mas de un año de editados, en este caso haremos una excepción merced a la deferencia y buena onda del sello editor en enviarnos su material y no hacer la típica avivada de enviar el link de descarga, costumbre cada vez mas arraigada tanto en bandas y sellos, ya sea foráneos como nacionales.

1. We Slaves Of Our Gods 2. Satan Opened His Gates 3. Czarny zachód słońca 4. Twoje pierdolone sumienie 5. God Of Our Dreams 6. Popiół 7. Survival 8. Destiny 9. Inquisition… 1990 10. Talk On Me 11. Młot na czarownice 12. Cień martwej duszy 13. Nie pytaj 14. We Slaves Of Our Gods (rehearsal) 15. Witch (live in Warszawa) 16. Witch (instrumental)

¿Dispuesto a regresar por unos minutos a principios de la década de los noventa del siglo pasado? Si tu respuesta es afirmativa, adelante con la recensión, si no… ¡piénsatelo dos veces antes de seguir leyendo! "Inkwizycja 1990 - ..." es la reedición en formato cedé de los temas aparecidos en la cinta de cassette que bajo el título “Inkwizycja 1990-1997” representó la puesta de largo discográfica de Witch en 1993, si bien en esta referencia aparecen compilados junto a otras pistas grabadas durante su lacónica carrera.
El influjo de este aquelarre de brujas polacas naturales de Opole y formadas en 1992 (Mirosław Filipowski al bajo, Marian Piszczyński a la batería, Marek Walasek a los teclados, Adam Malinowski al micrófono y Roger Trela y Sławek Kopciuch a las guitarras) transita una línea entre el heavy abrupto y el thrash metal seminal, sonando en multitud de ocasiones como una particular encrucijada entre King Diamond y formaciones como Overkill o Destruction.
We Slaves Of Our Gods y Satan Opened His Gates concentran cambios de ritmo y voces en la onda del Rey Diamante, Czarny zachód słońca alterna una suave y lenta cadencia con un intenso crescendo y Twoje pierdolone sumienie es un medio tiempo de riff galopante y tempos sincopados.
La furiosa God Of Our Dreams nos muestra el amplio abanico de registros de Adam Malinowski emergiendo entre los compases del tema, Survival, precedida por la instrumental Popiół, tiene un fantástico ritmo inicial que se acelera y adquiere aires thrash, y Destiny goza de un ritmo entrecortado con el cantante alternando tonos agudos y limpios con otro más melódico en el estribillo.
Inquisition…1990 combina estrofas de suave tesitura con un verso principal intenso y presuroso, Talk On Me nos muestra la vertiente más melódica del combo que llega a sus más altas cotas con Młot na czarownice una curiosa balada con violín y una lírica voz femenina doblando la de Malinowski.
Cień martwej duszy abre el apartado de temas añadidos a la cinta original con un ritmo palpitante y una pulcra voz, al que le siguen Nie pytaj y su acertado toque alternativo, la versión instrumental de We Slaves Of Our Gods registrada en un ensayo, la toma en directo de Witch con una intensa línea de guitarra y un fragmento intermedio denso y pesado, y la interpretación instrumental de veloz riffage e imperial doble bombo.
Se hace extraño adivinar que resortes han desencadenado esta reissue en tanto en cuanto la formación en ningún momento ha anunciado su regreso ni la publicación de material nuevo. Un álbum lícito desde la perspectiva, por un lado, de reunir íntegramente la escueta producción musical de la banda y, por el otro, de valer como reclamo para aquellos arqueólogos metálicos en busca de agrupaciones que en su momento fueron castigadas con la indiferencia. Prescindible.
Sitio web: www.oldschool-metal-maniac.com (M. M.)

VANQUISHER: “An Age Undreamed Of” (2022) (Stormspell Records)

1. Nemedian Chronicle 2. The Pride Of Aquilonia 3. Storming Venarium 4. Ode To The Slain 5. Reaver 6. Cimmeria 7. Trapped On Shamu's Plain 8. Battleborn 9. Savage Sword 10. Priests Of Set 11. Serpent God

¡Desenvainad vuestras espadas, levantad vuestras hachas, tomad vuestros escudos y preparad las pinturas de guerra! Rugid al viento que estáis listos para seguir a Vanquisher por Cimmeria, Estigia y Aquilonia -las tierras que en la Era Hiboria pisó Conan el Cimmerio- y recrear mediante el poder del heavy metal las hazañas de espada y brujería del famoso personaje creado por Robert E. Howard. Este grupo de aguerridos guerreros formado en Malmö en 2014 (Wulfhere The Executioner al bajo, Gorm Of The Pounding Hooves a la batería, Niord Of Nordheim a la voz, Heimdal The Warlord y Horsa The Untamed a las guitarras) y cuya producción se circunscribe al epé “A Demonstration Of Power”, los sencillos “Shadows Over Stygia” y “Storming Vanarium” y el prometedor debut que hoy analizamos, tiene una determinante cruzada: “desatar el poder despiadado y aplastante del heavy metal por todo el mundo y comenzar así una nueva era de barbarie”. Musicalmente su propuesta se ciñe a los parámetros del heavy metal clásico bañado por su vertiente más épica, al que añaden tintes de power europeo y algún fragmento de reminiscencia thrash, siendo “An Age Undreamed Of” un álbum repleto de himnos galopantes con coros guerreros, indestructibles melodías de guitarra solista y frecuentes cambios de ritmo.
Nemedian Chronicle es una introducción narrada con teclados orquestales que antecede a The Pride Of Aquilonia, una excelente pista de cadencia cabalgante, coros a lo Hammerfall y estribillo hímnico. La llamada a las armas de Storming Venarium tiene una batería sincopada, unas líneas vocales que se acercan a Manowar y unos rugidos que se aproximan a Powerwolf, y Ode To The Slain es toda una epopeya que empieza con unos heroicos cantos corales mientras la guitarra apunta la melodía, posteriormente arranca con intensidad y en su camino abraza diferente cambios melódicos y rítmicos enfatizados por voces seminarradas y guturales.
Reaver es una tempestad sonora de aires thrash que sólo afloja con la llegada del épico estribillo, y Cimmeria se inicia con un suave arpegio acompañado de una voz impostada y una latente armonía solista, progresa hasta un irresistible crescendo coronado por el hímnico verso principal y un par de cambios de tempo que alternan velocidad y densidad.
Trapped On Shamu's Plain tienen una densa cadencia acompasada que estalla con otra acelerada y furibunda variación rítmica que, precedida por un descarnado agudo, aparece secundada por gloriosos coros y un melodioso estribillo, y la fantástica Battleborn ahonda en lo mostrado en las anteriores canciones: duro riffage, intenso compás, épica estrofa principal y devastadora ofensiva instrumental lanzada por Heimdal The Warlord y Horsa The Untamed.
Savage Sword es una escabechina que no deja títere con cabeza merced a los intimidantes gritos que claman muerte, el destructor patrón de batería y las lacerantes guitarras, afiladas aquí como la cortante hoja del indómito hierro al que cantan, Priests Of Set es un medio tiempo crujiente con los consabidos y demoledores cambios de marcha, embravecidos coros y algún agudo que recuerda a King Diamond, y Serpent God es una extensa pista de cadencia pesada y tenebrosa en donde la banda se libra a enlazar fragmentos de diferentes tempos y tonalidades acompañados magistralmente por la exuberante interpretación de Niord Of Nordheim.
Con “An Age Undreamed Of” Vanquisher consiguen hacerse con una más que merecida victoria en un campo de batalla discográfico en el que luchan al lado de formaciones como Eternal Champion o Ironsword. Así pues, levantemos nuestros cuernos colmados de cerveza y brindemos por el pródigo futuro de estos bárbaros… ¡Salud!
Sitio web: www.vanquisher.se (M. M.)

IRON WINGS: “Ritual Of Rage” (2022) (Independiente)

1. Revelation Overture 2. Apathy 3. Nightmare 4. Angel 5. Necrophilic World 6. Afterlife 7. Virus 8. Summoning Ritual 9. Ritual Of Rage 10. The Raven 11. Devil’s Lullaby

Como un trago de aguardiente que abrasa tu garganta a medida que se precipitan por ella… así suena “Ritual Of Rage”, el nuevo trabajo de Iron Wings, una alquitara que destila una combinación de thrash y heavy metal acompañada de suaves notas de groove. Formados en Riga de la mano del guitarrista Dainis Andersons y el cantante y bajista Andris Veinbergs hace ya seis años, estos férreos letones lanzaron en 2017 el EP “Tumšie miglāji” y, relativamente poco tiempo después “Dzejnieks”, un primer álbum al que ahora han dado continuidad con “Ritual Of Rage”. Un trabajo, este que motiva hoy nuestra reseña, para el que han contado con la contribución de Jēkabs Zemzaris a la batería, y en donde la temática de las letras, cantadas por primera vez en inglés, pivota sobre el argumentario del simbolismo (el movimiento artístico surgido entre la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX).
Revelation Overture es una breve introducción con una línea de guitarra de aires épicos que da paso al furioso baqueteo, al retorcido riff y a los versos masticados de Apathy, cuyo estribillo busca la melodía escondida bajo la áspera voz de Andris Veinbergs.
Nightmare es una avasalladora pieza de ritmo entrecortado que te arrastra hasta lo más oscuro mundo de las pesadillas y Angel se inicia con unas armoniosas guitarras que ceden el testigo al riff y a la cadencia galopante que arrasa con todo.
Los inaugurales acordes limpios de Necrophilic World saltan por los aires tras la irrupción de las densas guitarras y la fuerza impresa por los versos anafóricos (aunque todo se desinfla tristemente después de ese absurdo e injustificado estribillo), Afterlife nos muestra su toque groovemetalero entre guitarrazos y baterías sincopadas y Virus nos infecta con su afiladísimo riff y un excelso trabajo de Dainis Andersons tanto en el apartado solista como en el rítmico.
Summoning Ritual en una breve pieza con dejes tribales que preludia al tema principal, en el cual Andris escupe sin piedad las palabras contenidas en los versos, The Raven brilla merced a su intensa cadencia y Devil’s Lullaby cabalga al galope hasta que las riendas tiran de ella con la llegada del estribillo.
“Ritual Of Rage” es puro, duro, agresivo y furioso… ¡Sólo apto para aquellos metaleros que no se andan con remilgos!
Sitio web: www.facebook.com/ironwingsband (M. M.)

HELLHAIM: “Let The Dead Not Lose Hope” (2022) (Ossuary Records)

1. Axe To Grind 2. Devilyn 3. Virus 4. Zodiac 5. Hell Is Coming 6. La Santa Muerte / The Triumph Of Life 7. Aluminium & Ash 8. Livet Är Stunden 9. Metro

¡Por Jarowit, Perun y el resto de los dioses de la mitología eslava! ¡Menudo segundo álbum se han sacado de la manga estos polacos! Hellhaim se autodefinen como un combo de heavy metal extremo y no engañan a nadie: definitivamente “Let The Dead Not Lose Hope” es más heavy que una despiadada tormenta de clavos. Haciendo un poco de historia, la banda fue formada en 2009 por los guitarristas Albert Żółtowski y Piotr Konicki en la ciudad de Varsovia y, tras las incorporaciones del bajista Jaro Kaczmarczyk, el cantante Mateusz Drzewicz (quién también estampó su autoridad en “The Omega Man” de Divine Weep) y el batería Jaro Kaczmarczyk, acumula en su casillero el EP “In The Dead Of The Night” (2015) y el debut “Slaves Of Apocalypse” publicado hace ya cinco años. En el bárbaro trabajo que hoy diseccionamos, el quinteto mezcla a las mil maravillas la esencia del heavy metal tradicional con claras influencias del speed y el thrash estadounidense, a las que añade coqueteos con el death melódico y detalles puntuales de gothic.
Axe To Grind nos da la bienvenida con una veloz línea de guitarra y la rugosa voz de Mateusz Drzewicz modelando los versos y lanzando meritorios agudos, mientras que Devilyn, la pieza que le sigue, tiene un intrincado riff y muestra a nuestro vocalista usando un timbre cercano al de King Diamond en el estribillo y compartiendo micro con una fémina en un fragmento operístico.
Virus nos colma con un dinámico riffage, un canto oscuro en los primeros compases para dar pasos a un puente y un verso principal corales rematados por un efectivo dibujo de guitarra, y a continuación Zodiac tiene un riff asesino, una cadencia galopante, toneladas de guitarra solista y un espectacular estribillo melodioso a medio camino entre el himno y la épica.
Hell Is Coming es endiabladamente vertiginoso, con una demoledora batería de Jaro Kaczmarczyk y una excelsa interpretación de Drzewicz exhibiendo su amplia gama de registros a lo largo de todo el tema. La Santa Muerte/The Triumph Of Life tiene un ritmo contundente, unas sinuosas primeras frases sometidas por los timbales y el bajo, ese fantástico aire gothic que empapa la estrofa principal y un impecable trabajo de los dos guitarristas en la extensa parte con la que concluye la pieza.
Aluminium & Ash es una anecdótica pieza instrumental que sirve de preludio a Livet Är Stunden, otro vendaval cargado de desalmada velocidad guiado por una voz agresiva y gruesa, y Metro cierra la caja de los truenos con otro ritmo martilleante, un riff de largo desarrollo, un inteligente cambio melódico para encarar el estribillo y un demoledor fragmento que confluye en el solo.
Sin duda alguna, “Let The Dead Not Lose Hope” es uno de los trabajos más brutales y heavies del año. El que avisa no es traidor… ¡Recomendado!
Sitio web: www.facebook.com/HELLHAIM (M. M.)

IRONBOURNE: “Ironbourne” (2021) (Pure Steel Records)

1. The Dreamer 2. Elusive Reality 3. Varsel 4. Twilight Of Gods 5. Too Late 6. Covenant 7. Hit The Wall 8. Runaway 9. Year Of Judgement

“Mientras unos dieron su vida por la extracción del hierro, otros la dan por el heavy metal” reza solemne el inspirado texto promocional que presenta a esta novel banda sueca. Pero que la noche no nos confunda: si bien Ironbourne -nombre surgido en honor a los valerosos antepasados que dieron sus vidas extrayendo el mineral de hierro de los pozos mineros- se define orgullosa como una formación de heavy metal, tal vez sería más acertado decir que su estilo se encuentra escorado hacia un hard rock que bebe de la esencia del heavy metal más seminal. En base a esto, el curtido quinteto de Ludvika (fundado en 2019 por Olof Geijer a la guitarra, Lars Andersson al bajo y Stefan Viktorsson a la batería, a los que posteriormente se les unieron el cantante Torbjörn Andersson y el guitarrista Jonas Windle) nos ofrece en su debut homónimo un trabajo dominado por los pesados e inalterables riffs de guitarra, las sobrias y densas cadencias rítmicas y el buen trato de la melodía, encarnado por el registro rugoso y potente de Andersson que se eleva hasta tonos más altos y suaves para abordar los emocionales estribillos.
The Dreamer comienza con una imperturbable melodía arpegiada con cierto regusto southern y se sumerge en una esencia roquera heredada de los británicos The Cult, mientras que Elusive Reality posee una entrada oscura que rememora a Black Sabbath, pero que progresa hasta adquirir un ritmo similar al del tema The Zoo de los germanos Scorpions.
Varsel, la única pieza cantada en sueco, maneja un impertérrito riff con cierto aire groove sobre el que se van superponiendo los versos hasta llegar a la emotiva estrofa principal, y el ritmo cabalgante de la brutal Twilight Of Gods nos brinda un corte claramente deudor del libro de estilo de Manowar, con un épico estribillo y unos coros castrenses típicos en los neoyorquinos.
La melodía acústica a dos guitarras es la protagonista de la poderosa balada Too Late, con un bonito crescendo coronando el verso principal, y por su lado, un irresistible ritmo sincopado (que evoca remotamente al de Train Of Consequences de Megadeth) se adueña de Covenant.
Hit The Wall tiene un sombrío arpegio, unas saturadas notas de bajo y un denso riffage, Runaway imprime mayor velocidad al discurso ofrecido por los suecos hasta el momento, con un lacerante punteo recortando las frases y un resolutivo estribillo, y Year Of Judgement se impregna de cierto aire doom con la voz seminarrada entre notas de bajo y armónicos de guitarra, y despega con un posterior y letal ritmo galopante.
Todavía les queda mucha piedra por picar, pero el yacimiento abierto con “Ironbourne” concentra minerales suficientes para proporcionarnos un filón de férreo metal en el futuro.
Sitio web: www.ironbourne.se (M.M.)

THE DARK HORDE: “The Calling” (Independiente) (2021)

1. Introduction 2. Mask 3. Childhood 4. Victim 5. Therapy 6. Memory 7. Destiny 8. Puppet 9. Xenogenesis 10. Rebirth 11. Slaughter 12. Awakening

Curiosa propuesta la que nos presenta el polifacético escritor australiano Andrew Brewin Drage en “The Calling”, la precuela musicada de su galardonada novela de terror “The Dark Horde”. Para dar forma a tan magno proyecto, Brewin  (que aparte del concepto argumental también se cuida de la producción y la dirección musical) se ha rodeado de un conjunto de actores, músicos y vocalistas afincados en Melbourne -entre los que encontramos al actor Kevin Powe, encargándose de la narración, a Hanny Mohammed (Black Majesty) ocupándose de la guitarra, el bajo, la batería y los teclados, a Logan Jacobs haciendo lo propio con las seis cuerdas y las teclas, y a Danny Cecati (Wicked Smile, ex-Pegazus, ex-Eyefear) capitaneando las voces- para crear lo que él define como “una historia de terror sobrenatural ambientada con una banda sonora de heavy metal de los ochenta”. Y razón no le falta ya que la obra fusiona a la par ambos elementos: por un lado, nos encontramos con exuberantes y atmosféricos interludios musicales repletos de fragmentos narrados y teatralizados que ayudan a entretejer la historia de Henry Anthony Wilcox, mientras que por el otro nos topamos con las pistas netamente metálicas en donde participa la banda al completo.
Introduction comprende la grabación en la que el joven protagonista ha dejado registradas sus últimas palabras, secundada por tétricos acordes y notas de teclado, y Mask empieza con un punteo acústico que va creciendo con la llegada de la distorsión y alcanza una cadencia palpitante, al tiempo que Dany Cecati nos muestra su inconfundible registro cercano al de Bruce Dickinson.
Childhood es un entreacto narrado con una línea de guitarra y unos teclados que desembocan en un fantástico y pesado ritmo, en tanto que Victim contiene un riff y un punteo heredero de la era pos-”Painkiller”, una tesitura de voz muy agresiva, una estrofa principal cargada de dramática emoción y una bonita armonía.
Therapy es una nueva pista teatralizada y Memory comienza con una resultona melodía que dará paso a unas guitarras cabalgantes entre las que el cantante combinará dos diferentes registros a modo de diálogo.
Destiny ahonda en la vida del personaje central en medio de acordes entrecortados y una brillante armonía por parte de la dupla Mohammed/Logan, mientras que Puppet cuenta con la acometida de los guturales de Shaun Farrugia (In Malice's Wake) que empastan fenomenalmente con el canto de Cecaty, en una oscura canción con un inesperado y veloz arranque en su ecuador.
Xenogenesis es el último interludio narrado que da paso a Rebirth, un gran corte que se mueve entre la dualidad de las suaves guitarras arpegiadas acompañadas de la voz seminarrada y la intensa distorsión escoltada por el registro vocal más combativo.
Slaughter tiene cierto regusto a power americano, con un enérgico riff y un sólido doble bombo, y Awakening atesora una preciosa melodía vocal cargada de dramatismo con una nueva colaboración de Farrugia.
Si lo tuyo son las historias de miedo herederas de discos de la talla de “Abigail” o “Them”, ambos del Rey Diamante y sencillamente por citar dos paradigmáticos ejemplos de esta categoría, la llamada de la congregación de las hordas oscuras no va a defraudarte.
Sitio web: www.facebook.com/TheDarkHorde (M. M.)

AQUILLA: “Mankind’s Odyssey” (2022) (Ossuary Records)

1. Echoes of the Past 2. Arrival 3. Pathfinder 4. Scarlet Skies 5. The Awakening 6. Rapt in Darkness 7. Intersection 8. Saviors of the Universe 9. New Dawn of Evadera 10. Zero (2021)

Después de una serie de sencillos y EPs, este es el álbum debut de Aquilla de Polonia, y la excelente portada y el logotipo son grandes indicios del estilo que toca esta banda. De la mano del sello Ossuary (sello que se está transformando en uno de mis favoritos), nos llega este impresionante debut de este quinteto integrado por Pete Slammer (Batería), Blash Raven (Voz), Hippie Banzai (Bajo), Kris Invader (Guitarra Líder) y Chris Scanner (Guitarra Rítmica).
Desde el mismísimo arranque Aquilla nos propone heavy metal de calidad, verdadero heavy metal clásico de los 80 pero filtrado con una actitud joven y fresca, de bases cabalgadas, mucho doble bombo, guitarras asesinas, un bajo muy presente, y un vocalista con excelentes agudos.
“Mankind's Odyssey” se caracteriza por mucha velocidad, armonías de guitarras gemelas, gritos de sirenas de ataques aéreos y letras de ciencia ficción. Los machaques son continuos, los interesantes arreglos melódicos por parte de las violas, seguido de buenos cortes, y sin casi despeinarse, la banda atraviesa los casi 45 minutos con una urgencia de power metal mezclada con el galope clásico del heavy metal tradicional.
Ya sintetizando, y en el mundo del metal tradicional, no hay nada aquí que haga Aquilla que no se haya hecho antes. Sin embargo, lo hace muy bien y ante un álbum de esta naturaleza, los fanáticos del heavy y el metal tradicional deben ser advertidos que si están buscando heavy/speed metal con voces agudas, melodías pegadizas y riffs devastadores, “Mankind’s Odyssey” de Aquilla es un álbum para ustedes!.
Sitio web: www.facebook.com/AquillaOfficial (J.S.)