CRYSTAL SKULL: “Arcane Tales” (2025) (Underground Symphony Records)

 

1. Prelude To Darkness (Intro) 2. Gates Of Skull 3. Prisoner In The Night 4. Stormbreaker (Turok's Axe) 5. Hall Of Eternity (Intro) 6. Ancient's Ritual 7. Am-Aras (Black Lord) 8. The Underdark 9. Queen Of The Black Moon (Erevyn's Fate) 10. Horizon's Nightstorm  (instrumental) 11. Defenders 12. Glory Or Damn 13. Homecoming (Regdar's Tragedy)

Cinco años después de publicar “Ancient Tales” (el primer capítulo de la trilogía fantástica que narra el viaje de tres héroes a través de un mundo devastado), el puntal que ha estado al pie del cañón de Crystal Skull desde 2007, Claudio "The Reaper" Livera, ha decidido darle continuidad discográfica. Y lo ha hecho mediante un segundo trabajo que, como su predecesor, hará perder la cabeza a los amantes del power/speed metal de ascendencia germánica que bebe de las fuentes de Running Wild, Gamma Ray y Blind Guardian (los tres nombres con los que mejor se identifica el proyecto personal de Claudio Livera) y que tampoco no hace ascos al influjo de los británicos Iron Maiden. Si pusieran en una batidora los riffs galopantes de los primeros, los coros gloriosos de los segundos y la temática fantástica de los terceros, seguramente obtendríamos como resultado una aleación muy fiel a la que nos ofrecen Crystal Skull en “Arcane Tales” y que se puede fraguar con términos como velocidad, épica y melodía.
En comparación con “Ancient Tales” (en el que Livera puso la voz, grabó las guitarras junto con Marco Falanga y se encargó él sólo del resto de los instrumentos), la sónica general de esta nueva entrega goza de una mayor madurez y riqueza, a buen seguro y en gran parte, por la incorporación al proyecto del batería Fabio Tomba y el vocalista Lorenzo Nocerino, dos excelentes fichajes a los que cabe sumar la colaboración en varios temas del bajista Andrea Franceschi y los guitarristas Alessandro "Nervo", Alex Corona y Carlo Venuti. Las incorporaciones de Tumba y Nocerino (a las que también hay que añadir recientemente la del guitarrista Alessandro Visintin), conforman una banda de pleno derecho, lejos del embrionario proyecto en solitario a través del cual Livera quería dar vía libre a su pasión por el power metal alemán, paralelamente a su contribución en Black Raven y Violent Assault en donde tocaba la guitarra y el bajo, respectivamente.
El nuevo trabajo, publicado físicamente como digipack de lujo de edición limitada, ha sido producido por los propios Crystal Skull en sus estudios, y mezclado y masterizado por Alberto Melinato en los Bridge Produzioni Audio Studios. Todos ellos han remado hacia la misma dirección, aquella profundamente fijada en la sonoridad de los álbumes que las bandas de referencia de “The Reaper” Livera lanzaron durante la década de los noventa.
Como muy bien explica la nota de prensa que acompaña al lanzamiento, la travesía del enano Turok, el mago Regdar y el elfo Erevyn continúa por el mundo mágico de Arendal que ha sido devastado por el ejército del Señor de las sombras Am-Aras y serán las nuevas batallas, pruebas e, incluso, luchas personales internas las que guiarán las peripecias de los tres héroes en la búsqueda del antiguo poder de las calaveras de cristal que debería derrocar al despiadado tirano. Este argumento de épica fantástica aparece perfectamente plasmado en la imagen de la cubierta, obra de Fabio Babic (ilustrador de la novela gráfica “Dragonero”), concebida como si fuera la portada de una novela de fantasía a través de la que los lectores pueden hacerse una clara idea de lo que se encontrarán en el interior.
Prelude To Darkness, una introducción con tintes cinematográficos, comienza con una breve narración de la historia que se desarrollará a través de los siguientes doce cortes y enlaza a continuación con una sección instrumental con unas armonías de clara influencia “maidenesca”.
Gates Of Skull, tiene un bravo matiz marcial y una sonoridad más cercana a la banda de Rolf Kasparek y sus piratas de Port Royal, y en la que Nocerino deja las primeras muestras de su versátil registro.
En la extensa Prisoner In The Night hay un agradable resabio a la obra de Kai Hansen cuando emprendió su travesía hacia la Tierra de la libertad y, en consecuencia, el estribillo y el latido global del tema vienen preñados de épica majestuosa.
Stormbreaker (Turok's Axe) es el primer sencillo que precedió la publicación del álbum. Según palabras del multiinstrumentista de Gorizia, la canción se había concebido para transmitir de forma fiel el poder de la nueva hacha del enano y, por tanto, debía golpearnos de forma directa e implacable. Y es así como nuestros oídos reciben el poderoso riff y el hímnico coro de esta arrolladora canción.
Ancient's Ritual, precedida del breve epílogo Hall Of Eternity, comienza con una llameante melodía de guitarras, progresa hacia una cadencia más pausada y oscura -que encaja como un guante con su trasfondo de hechicería- y con la estrofa principal recupera el inalterable pulso homérico latente en el disco.
Am-Aras (Black Lord), con un riff constante e imparable y una batería rauda y galopante, retumba despiadadamente vertiginosa, mientras que la armonía con la que se fusiona el solo es sencillamente maravillosa.
En The Underdark la banda nos presenta un mid tempo cercano al heavy metal de corte clásico que en palabras de Livera nace de las entrañas de antiguos mitos y oscuros reinos olvidados, y en Queen Of The Black Moon (Erevyn's Fate), desde la irrupción del verso inicial, es imposible no revivir la grandilocuencia con la que nos atraparon sus compatriotas Rhapsody.
La breve instrumental Horizon's Nightstorm es el preludio de Defenders, un tema con el que los italianos reanudan la agresividad y la velocidad fusionadas con melodía, una fórmula que reduplican en Glory Or Damn (Turok's Damnation) con dosis extra de ardorosa épica y agudos penetrantes.
Homecoming (Regdar's Tragedy) es la mayúscula epopeya de casi diez minutos con la que Crystal Skull concluyen la segunda parte de su trilogía. Una sublime y compleja composición con pasajes acústicos, fragmentos intensos, atmósferas diversas y ritmos cambiantes que pone la guinda a “Arcane Tales”.
En resumidas cuentas, Crystal Skull parece haber abierto nuevamente un portal multidimensional a través del cual se viaja a la época en la que el power metal era el centro gravitatorio del género. Con “Arcane Tales” la formación ha creado un disco al que fácilmente se le puede colgar el sambenito de ser un refrito de claras y manifiestas influencias, pero es consabido que el verdadero propósito de Claudio “The Reaper” con este proyecto no es otro que disfrutar sin trabas de difundir la esencia de los fundamentos que definen un estilo que le apasiona y que idolatra. Teniendo esto presente, es un disco sobradamente logrado, honesto, sincero y apasionado como para embelesar tanto a los seguidores de formaciones como Blazon Stone, Rocka Rollas y Stormwarrior, como a los de Grave Digger o Iron Savior. Y no olvidéis su arenga: ¡Los amos del Cristal cabalgan con vosotros! ¡Los señores de la Calavera vuelven a alzarse!
Sitio web: www.facebook.com/CrystalSkullProject (M. M.)

ORBSTRUCT: "Ostracism" (2025) (Paragon Records)

 

1. Gathering the Seeds of Own Suffering 2. Hive 3. Ostracism 4. Ice Insulation 5. Sunflowers on Our Fields 6. Hate Us 7. Fakel viyny 8. R.I.P. 9. Only You and I

El nuevo albúm de Orbstruct la banda ucraniana que nació en el 2016 y después de alrededor de 4 años la banda presenta su tercer disco de estudio. 

Comienza con la canción Gathering the Seeds of Own Suffering con esa atmósfera oscura y sonidos ambientales oscuros que dan pauta a Hive con acordes y batería constantes, fuertes y con una sola línea por momentos, abriendo paso a la voz, con ese estilo grindcore, poco nítida.
Después en la canción del nombre del albúm Ostracism con un poco de variación en la línea de guitarras/batería, un poco más rápida, pero volviendo con ese ritmo y tempo.
Posteriormente en Ice Insulation tenemos un inicio ambientado de forma genial, oscuro y sombrío, con las guitarras de inicio abriendo el compás junto a la batería, tiene esta canción un ritmo lento y denso, donde la voz se compone siendo un poco más nítida sin que la parte musical la opaque.
Después en Sunflowers on Our Fields con un buen inicio algo atmosférico pero posteriormente nos asalta un ritmo y línea musical semejante a la canción anterior y así podemos seguir con las demás canciones.

El nuevo álbum Ostracism, con ese estilo clásico de Death Metal, pesado y por momentos atascado en la voz, recordándome a Suffocation o Dying in Fetus con ese medio tiempo y sonidos por así decirlo orgánico o natural, con la línea de guitarras nos damos cuenta y ese doble pedal que si se nota cuando hace presencia siendo un detalle adicional en muchas de las canciones y maneja un mismo ritmo musical, con muy poca variación, es buena su producción agregando sonidos ambientales de inicio en varias canciones pero con un contenido poco variado. 

Sitio web: www.facebook.com/orbstructofficial (R.Z.)

HELL:ON: "Shaman" (2024) (Archivist Records)

1. What Steppes Dream About 2. When The Wild Wind And The Soul Of Fire Meet 3. Tearing Winds Of Innerself 4. Preparation For The Ritual 5. He With The Horse's Head 6. A New Dawn 7. I Am The Path 8. Shaman

La banda ucraniana HELL:ON, líder en Death Metal atmosférico en Ucrania, lanzo su nuevo y séptimo álbum de larga duración, Shaman, el 17 de mayo de 2024, tiene un toque atmosférico con un  monstruoso arreglos de riffs ennegrecidos y crudos, batería contundente y aplastante, riffs pesados, voces profundas y guturales, tiene como comente un estilo del lejano oriente, algo tribal pegadizo.
El álbum comienza con What Steppes Dream About sonidos folk/death metal excelentes con esas voces al estilo del lejano oriente, un death metal crudo, con una línea de acordes duros, clásicos, excelente ritmo y compás! Después tenemos a When The Wild Wind And The Soul Of Fire Meet tenemos un inicio instrumental semejante a la canción anterior, con un ritmo y compás más lento, pero después con una explosividad abrupta con una poderosa voz cruda y profunda, ahora en  Tearing Winds Of Innerself tenemos un inicio y estilo muy distinto, un technical death acaso! Quizás un poco, pero después baja ese compas y ritmo, ¡el doble bombo suena demoledor! Un estilo muy veloz por cierto comparativo a un estilo black metal también.
Después nos pasamos con las canciones I Am The Path con un estilo instrumental muy bien ejecutado y ambientado, la línea de batería y acordes con total fuerza y potencia, un death metal crudo! Y cerrando con la canción homónima del nombre del álbum Shaman, un inicio instrumental lento, oscuro y denso, en general cuenta con una atmosfera a todas sus canciones de manera brutal, donde los acordes son los demoledores.
Un death metal, con un poco de black metal, a veces melódico y así como tal con la ambientación un poco de folk, HELL:ON nos ofrece una clase genial y clásica de death metal con su álbum Shaman, con la que cuenta con intensidad, creatividad, buen manejo de instrumentos, ambientación y emoción. ¡Un buen death metal!
Sitio web: www.hell-on.net (R.Z.)

GREY CZAR: “Euarthropodia” (2025) (Octopus Rising/Argonauta Records)

1. Eschaton 2. Withered World 3. Insects Took Over 4. Trooping For Euarthropodia 5. Ballad Of Propellerheads 6. Queens Of The New World 7. Nutritional Protocol 8. Arthrobotic Liberty 9. Aeon

En el mismo instante en que la decadente raza humana entra en un período de extinción irremediable, la Tierra y sus biomas son colonizados y sometidos por una ramificación de artrópodos que tiene como objetivo levantar su propio imperio de invertebrados, el reino de Euartropodia. Tristemente, la sobreexplotación de los recursos y la desidia de las clases dirigentes lleva a la caída de ese reino naciente. Pero siempre quedará una brizna de esperanza al amparo de un nuevo comienzo... Este futuro distópico es la original trama sobre la que gira el nuevo álbum conceptual que lleva por título “Euarthropodia” y con el que se ha descolgado la singular banda austríaca Grey Czar. Nacidos en la ciudad de Salzburgo en 2010, este grupo de camaradas formado por Wolfgang Brunauer (vocalista y bajista), Roland Hickmann (vocalista y guitarrista), Florian Primavesi (vocalista, guitarrista y teclista) y Wolfgang Ruppitsch (batería y percusionista), lanzó el primer disco titulado como la misma banda en 2012, dos años después estrenó el EP "The Men Who Harvest The Sea" y cuatro años más tarde publicó "Boondoggle", un segundo larga duración que afianzó el proyecto. Una vez superadas diferentes vicisitudes de carácter económico, este pasado mes de abril vio la luz “Euarthropodia”, su nueva referencia discográfica que ha sido producida y mezclada por el propio bajista Wolfgang Brunauer y el resto de Grey Czar -que también firman todas las composiciones-, mientras que Antonio Ilievski se ha hecho cargo de la Ilustración de la portada.

La peculiaridad de la que hablábamos en el párrafo anterior va más allá del hilo argumental que sus canciones tejen a modo de los capítulos de una obra de ciencia ficción, y abarca también el crisol de estilos que el cuarteto pone en juego. Si bien principalmente ellos enmarcan su propuesta dentro del heavy rock, también se definen como “una bestia roquera con guitarras, bajo, teclados, batería y líneas vocales interpretadas por tres cantantes diferentes”, y creo que este grandilocuente apelativo es el que mejor ilustra su letanía estilística que comprende elementos de rock duro, progresivo, psicodélico, desértico y un componente metálico primario. Como decíamos, es este cañamazo el que convierte su propuesta en algo tanto o más particular que el mismo argumento orwelliano del que bebe “Euarthropodia”.

Eschaton arranca con una pegajosa armonía que acompañará inmutable a las primeras estrofas hasta la llegada del robusto estribillo y tiene en los fragmentos instrumentales que transitan entre las dos partes antes mencionadas los puntos de máxima intensidad de la canción.

Withered World presenta una expresión lastimera con sus frágiles cuerdas acústicas haciendo de almohada a las voces, hasta que adquieren distorsión, se convierten en penetrantes y preceden al colérico verso principal.

Una melodía sangrienta de guitarra es la antesala de Insects Took Over, una pista con unas mágicas notas de Hammond que nos trasladan al hard rock de principios de los setenta y que se convierten en el magistral contrapunto a los aires marcadamente contemporáneos del intenso estribillo de Trooping For Euarthropodia que irrumpe sin que nos hayamos dado cuneta y nos regala una inspiradísima sección instrumental en el tramo final.

Ballad Of Propellerheads es una pieza que encarna el sonido arquetípico de estos cuatro jinetes que, como explican ellos mismos, combina “momentos delicados y relajados con melodías enérgicas y riffs crudos”.

Queens Of The New World levanta el vuelo con unos acuerdos desafiantes y nos deslumbra con unos momentos que muestran la vertiente más progresiva de la formación, mientras que en Nutritional Protocol las primeras y suaves notas desenchufadas se alternan con los oscuros y “sabbáthicos” latigazos centrales.

Los teclados de Florian Primavesi en Arthrobotic Liberty parecen tocados por el fallecido maestro Jon Lord, recreando nuevamente el hechizo de bandas como Deep Purple o Uriah Heep y Aeon, es denso y tiene una cadencia pausada y rocosa durante las primeras tres cuartas partes. Pasados estos minutos, los músicos aprietan el acelerador y acentúan el cariz épico del tema que sirve de colofón al elepé.

Grey Czar es una agrupación que no sigue ninguna moda ni estilo actual, pero tampoco se trata de una más entre las muchas bandas de revival en el sentido estricto de la palabra. Es una rara avis de aquellas que deciden construir su propia carrera haciendo lo que quieren y les gusta, sin importarles lo más mínimo cuál es la tendencia imperante o que aporta más beneficios. Por su parte, “Euarthropodia” es un álbum anticomercial desde el mismo momento en el que el bajista Wolfgang Ruppitsch presentó a sus compañeros la idea imaginaria de un futuro postapocalíptico con insectos repoblando una Tierra en la que se ha extinguido la especie humana. Sin embargo, es la atemporalidad que aporta el sonido, junto con la especificidad de la temática mencionada, la que convierte el trabajo en una pieza singular y personal que vale, y mucho, la pena.

Sitio web: www.greyczar.com (M. M.)

CRUCIAL VELOCITY: "Controller" (2025) (Independiente)

1. Hollow 2. Brainstorm 3. Vicious Breed 4. Chosen One 5. Welcome Death 6. Controller 7. Revelation 8. Blessed 9. Lifeless 10. Reflection

El albúm comienza con Hollow, excelentes acordes iniciales con esa línea en las guitarras, con un ritmo oscuro y denso, entre un poco de vox limpia de fondo y semi gutural, excelente estilo progresivo/doom desde un inicio, con Brainstorm tenemos un poco de mayor ritmo y potencia, de momentos me recuerda un poco a Dream Theater, el riff y solo suena genial, con un ritmo lento y melódico, con Vicious Breed volvemos con el estilo musical de la primera canción de Hollow con ese ambiente y estilo denso en la línea de guitarras junto a la bateria de Matt Thompson.

Un poco de la historia de estas dos canciones geniales "Brainstorm", está escrita desde la perspectiva del hijo de Nate, con retraso mental severo y autismo. El segundo sencillo, "Hollow" con el cual arranca el albúm aborda el peligro de la ideología frente al pragmatismo y su efecto adverso en la sociedad actual, ambos videos son de Wayne Joyner (Dream Theater, Tremonti, Devin Townshend) y debo decir la influencia de la banda con excelente mezcla y estilo propio.

Con Chosen One un poco mas pesada, en la línea de acordes, algo mas oscura y fuerte, excelente canción melodica y progresiva!

El nuevo albúm Controller, del cuarteto americano tiene un ambiente que mezcla buen stoner y doom, dentro de su estilo junto a su estilo progresivo y hasta un poco a Symphony X con un ritmo en las pistas bien mezcladas y enganchables con armonías vocales geniales! Muy limpias en el color.

Guitarras contundentes y densas, con un trasfondo melódico, oscuro y pesado, un albúm impactante y excelentemente producido desde el principio, buenos matices con esos solos de guitarra hasta la excelente interacción de la contundente sección rítmica y melodica con la bateria, excelente albúm!

Sitio web: www.crucial-velocity.com (R.Z.)

HARMONIZE ORACLE: "Before the oracle" (2024) (Independiente)

1. Chained Spirit 2. Phoenix 3. Crawling Among Shadows 4. Another Holy War 5. Shield Wall

Abrimos con este buen EP del año pasado de una banda chipriota, con un combinado de hard rock melódico, power metal oscuro, progresivo y con arreglos sinfónicos con ritmos y movimientos nítidos, riffs amplios y voces limpias y guturales bien manejadas con esa influencia death.

En el inicio del EP con "Chained Spirit", intensos riffs, toques atmosféricos, tempos en constante cambio, que se pueden escuchar, en "Phoenix” (cover de Satyricon) hasta cierto punto con influencia del Black metal melódico, ese doble blast que acompaña a la canción es algo distintivo, “Crawling Among Shadows” tenemos una canción un poco más instrumental y de bastante duración con ese estilo power/death metal bien ejecutado! Y en "Shield Wall” (cover de Amon Amarth) tenemos un estilo muy semejante a la canción anterior pero con el sello de la banda. Por cierto, las voces con excelente matiz emocional se pueden distinguir de manera genial!

De hecho, la banda lo comenta: Este EP sirve tanto de homenaje como de despedida a nuestro pasado. A través de Before the Oracle, celebramos nuestra evolución con una colección de emocionantes temas nuevos, así como selecciones remasterizadas de Warrior In the Night. El EP también incluye una versión especial de «Another Holy War» del concurso de canciones de Blind Guardian's Imagination.

¡Excelente EP! Bien hecho con variados matices musicales, para todo fan de estos estilos les gustara!

Sitio web: www.harmonizeofficial.com (R.Z.)

SUNLIGHT: “Son Of The Sun” (2024) (Total Metal Records)

1. Son Of Fire 2. Thoughts Of Despair (Apognosis) 3. Forever Lost 4. Mystery 5. Secret Of Silence 6. Echoes Of Hope 7. Can't Let You Go 8. Bridge Of Life 9. Sunrise

Desde la histórica región griega de Ática y con la suavidad y delicadeza propia de los tonos carmesíes que acompañan la luz crepuscular de la aurora, a finales del año pasado llegó a las estanterías de todo el mundo “Son Of The Sun”, el segundo elepé de los atenienses Sunlight. Un nuevo álbum que se publica casi diez años después de su primer larga duración titulado “My Own Truth” y que viene marcado por la renovación casi completa de la formación anterior (de la cual sólo quedan el guitarrista Makis Kaponis y el teclista Panos Anastopoulos) y por el volantazo hacia una dirección musical que abandona la ruta del hard rock melódico por la cual habían transitado desde su fundación el 2009 y que también impregnaba su primogénito EP “Rockin' All Around”. Amparados por este viraje, trazan una hoja de ruta orientada hacia un power metal igualmente melodioso con gran presencia de teclados y que nos puede recordar tanto a Sonata Arctica como Stratovarius.
Si bien este “Son Of The Sun” tenía previsto publicarse en torno a 2019, la pandemia de la covid-19 primero y, posteriormente, la marcha del cantante, el bajista y el batería -relevados con impecable solvencia por Mike Karasoulis, Manos Karachalios y Andreas Kalogeras, respectivamente- retrasó su lanzamiento hasta nuestros días.
Dejando a un lado los aspectos extramusicales, y centrándonos nuevamente en la faceta artística, la producción y la mezcla del álbum se llevaron a cabo en los Devasoundz Studio y recayeron en Fotis Benardo (productor de bandas como Nightfall o Fortress Under Siege), la masterización estuvo realizada por George Nerantzis (encargado de trabajos de Pain of Salvation o Rotting Christ) y el arte de la cubierta fue obra de Gustavo Sazes (responsable de dar vida a las carátulas de numerosas bandas como Avalanch, Kamelot, Firewind, Angelus Apatrida, Arch Enemy o Bloodhunter).
Por otro lado, y prestando atención a los significados que hay detrás las letras de las canciones, el grupo se apresura a aclarar en la hoja de prensa promocional que son textos a través de los cuales “exploran un espectro de emociones y experiencias a través de nueve historias diferentes, profundizando en temas como la vida y la muerte, la esperanza y la desesperación, el amor y el odio.” Son estas combinaciones de palabras y verbos las que, junto con “unos ritmos enérgicos, unos laboriosos trabajos de las guitarras y unas orquestaciones exuberantes”, caracterizan este plástico de Sunlight.
La inicial Son Of Fire tiene una bonita melodía de teclados rematando el final de las estrofas, una heroica vuelta y un solo compartido de guitarra y teclas que acaba en una fantástica armonía.
Thoughts Of Despair (Apognosis) empieza solemne, profunda y con unos cantos corales disparados por Panos Anastopoulos, mientras que es Makis Kaponis quién secunda aquí con sus riffs las frases de Mike Karasoulis y se encarga individualmente y con destreza de la parte solista.
Forever Lost irrumpe con toda la banda a rienda suelta, contiene una galopante y prominente línea de guitarra, unas interesantes notas de teclados y un emotivo y alentador verso principal muy bien defendido por Karasoulis.
Mystery es un fantástico power de manual, cargado de épica y dominado de arriba abajo por el instrumento de Anastopoulos, con unas excelentes estrofas con el bajo, la batería y la voz en un primer plano y los riffs de guitarra acabando de redondear la pieza. Por cierto, Panos y Makis vuelven a batirse en un enconado duelo que acaba de nuevo en tablas.
Secret Of Silence es la balada del disco. Construida sobre el esquema habitual de este tipo de composiciones -acordes acústicos acompañando una atribulada interpretación vocal, previsible irrupción de la banda al unísono marcando el pico de máxima intensidad y posterior solo de guitarra cargado de sentimiento- suena bastante insulsa y no creo que se erija en la pista más recordada de este “Son Of The Sun”.
Echoes Of Hope arranca enérgica, con la línea de guitarra guiando el rumbo a seguir por los versos y un estribillo marcado por un sabio cambio de ritmo, mientras que Can't Let You Go marca músculo con su riff entrecortado y con la llegada del verso principal entrecruza el presente musical de la banda con el pasado fijado en el hard rock melódico de sus primeras referencias.
Y cuando parece que el disco compacto pierde interés con Bridge Of Life, a pesar de contener un bonito pasaje con sintetizador, los helenos demuestran tener un as en la manga con Sunrise, la pieza con que recuperan el pulso más heroico del estilo que ahora defienden, con una memorable segunda parte con fragmentos oscuros y coros épicos que concluyen el trabajo por todo lo alto.
“Son Of The Sun” hará disfrutar sin lugar a duda a los amantes del power metal, un estilo que murió de éxito, pero que todavía conserva una irreducible base de fieles seguidores. Un buen trabajo que abre una nueva vía en la corta y cambiante discografía del quinteto griego.
Sitio web: www.facebook.com/SunlightTheBand (M. M.)

REZET: “Rezet” (2024) (Violent Creek Records)

1. Opus 1984.2 2. Time To Die 3. Unholy Grail 4. Duck & Cover 5. Burning Prophets 6. Together Apart 7. Prisoner Of Fate 8. Killing Spree 9. Atmosfear 10.True As Lies (feat. Steve "Lips" Kudlow) 11. World War Z 12. Into The Abyss 

Si el cuero ha sido desde siempre una de las principales industrias de la ciudad de Schleswig, no es de extrañar que tarde o temprano esta localidad diera a luz... ¡una banda de estirpe metálica! Partiendo de esta premisa, en 2004, de la mano del cantante y guitarrista Ricky Wagner, Rezet empezaron un camino que ya suma un buen puñado de maquetas, cinco elepés (“Have Gun, Will Travel”, “Civic Nightmares”, “Reality Is A Lie”, “Deal With It!” y “Truth In Between”) y tres epés (“Toxic Avenger”, “You Asked For It” y New World Murder), el último de los cuales, fechado hace tres años, se erigía hasta ahora como su última referencia discográfica.
Como en cualquier largo viaje, las amargas despedidas y las entusiastas incorporaciones han estado a la orden del día, siendo actualmente el batería Bastian Santen, el bajista Lorenz Kandolf y el guitarrista búlgaro Nikolay Atanasov (ex-Agent Steel) quienes, junto con el mencionado Wagner, conforman el batallador cuarteto teutón.
El plástico publicado a finales del pasado mes de agosto ha sido nuevamente producido por Eike Freese (quien ha trabajado con bandas como Deep Purple, Apocalyptica, Heaven Shall Burn o Gamma Ray) en los Chameleon Studios de Hamburgo, mientras que la distópica imagen de la portada ha salido del lápiz de Pär Olofsson (Exodus, Traitor, Aborted, etc.).
Como puede desprenderse de cualquier título homónimo como el de este sexto trabajo, Rezet se disponen a afrontar un momento crucial después de veinte años de carrera, y por ello publican un disco sin artificios a través del cual buscan consolidar y reafirmar su sello, y lo hacen uniendo los elementos más granados de su discografía, aquellos que transitan por los parajes del thrash metal más seminal y clásico de las bandas norteamericanas -tanto las de la zona de la bahía como las de la ciudad de los rascacielos- de finales de los ochenta y principios de los noventa del siglo pasado, sin que esto les impida hacer alguna guiño a una mirada más ancha del estilo, si se me permite el oportuno juego de palabras.
Opus 1984.2 es la breve introducción con piano, dramática, invariable e hipnótica, que sirve de preámbulo a Time To Die, la pieza más rápida y virulenta de todas las que escucharemos y que sirve como inmejorable carta de presentación del álbum. Una batería que funciona como una auténtica apisonadora da paso a unos versos de ritmo sincopado que nos acompañará hasta el accesible e implacable estribillo al final del cual irrumpen las cuerdas de Nikolay Atanasov.
Unholy Grail arranca con un gran riff y un deje en la voz de Wagner que nos puede recordar a la de Dave Mustaine, pero que se esfuma tan pronto como el cantante encara la fantástica estrofa principal, inusualmente melódica en un disco de estas características. La pieza apareció como primer adelanto del trabajo y sin lugar a duda puede captar la atención de un sector de público tradicionalmente alejado del thrash más clásico. Excelente solo, por cierto.
Duck & Cover es pesada y densa, con una cadencia palpitante y un motivo musical perenne. Un tema donde el meritorio trabajo de Nikolay destaca nuevamente.
Burning Prophets es bastante anodina y tiene poco jugo. Más allá de su ritmo entrecortado y el título repetido hasta la extenuación, es la apocalíptica batería de Bastian Santen la protagonista absoluta.
Unas notas arpegiadas introducen a Together Apart, una power ballad que cumple punto por punto con los cánones establecidos: intensidad in crescendo con el punto álgido coronado por el estribillo y un sentido solo con armonía final cien por cien Metallica. Una pieza que ronda un camino inhóspito para la formación y seguramente sorprendente para sus seguidores.
El riff veloz y el ritmo sincopado de Prisoner Of Fate no aportan nada nuevo a primera vista, pero todo toma una nueva dimensión cuando llega la devastadora sección instrumental previa al solo, con Lorenz Kandolf pulsando impunemente las atronadoras cuerdas de su bajo.
Killing Spree es una auténtica salvajada por obra y gracia de un riff monstruosamente brutal y unos descarnados coros castrenses. Una pista con la que los alemanes recuperan el rumbo que parecían haber perdido con las últimas canciones.
Unos coros eclesiásticos y un oscuro arpegio marcan los primeros compases de Atmosfear, un tema donde una desnuda línea de abajo acompaña la media voz de Ricky que posteriormente arranca rabiosa, una jugada habitual en las interpretaciones vocales de Mustaine, lo cual no hace más que confirmar que Megadeth es una de las principales influencias de los germanos.
True As Lies es un corte feroz, de aire roquero y de fácil digestión que cuenta con la participación a la guitarra de “Lips” Kudlow de los canadienses desventurados Anvil.
World War Z, nada que ver con el título de la novela de Max Brooks, socava en la vertiente de la escuela neoyorquina, mientras que Into The Abyss es instrumentalmente variada -no en vano es uno de los temas más extensos del disco- con largos desarrollos y diversos cambios de ritmo que nos dejan un buen sabor de boca.
Rezet es un disco que suena sólido, directo, agresivo y que en determinadas canciones procura ir más allá de los parámetros del thrash metal. El cuarteto tudesco es una de las muchas bandas honestas que se mantienen en la retaguardia abasteciendo de acero la maquinaria del metal. Ellos son los primeros que tienen claro de dónde vienen y hacia dónde van y no pretenden engañar a nadie con su propuesta musical. ¡Escúchalos!
Sitio web: www.rezet.de (M. M.)

INFRARED: "Manifestation" (2024) (Independiente)

 

1. Cataclysm 2. Temple of Sin 3. Nikko 4. Demon’s Blood 5. Pressure Syndrome 6. The Manifest 7. Manifest Nation 8. Concuss 9. Reforma 10. My Dreams Are Real 11. Parasite Patrol 12. Then the Earth Goes Black

Tenemos un nuevo albúm de 12 pistas potentes con un Thrash metal bueno y clasico, comenzamos con Cataclysm con esa línea de guitarras y bateria marcando el compás, una entrada instrumental fuerte, que abre a la siguiente canción de Temple of Sin donde totalmente un sonido clásico del Thrash metal ochentero con esos súper riffs y bateria rápidos, la banda Infrared desde su formación en 1985, y ahora con su nuevo album Manifestation nos da un albúm con ese estilo a la vieja escuela del Thrash Metal, con esa escuela del Thrash Metal al estilo Americano y con influencias notables como Slayer, Antrax, Metallica en ciertas canciones, Kreator o Testament, Infrared band combina ese sonido nostálgico en nuestra modernidad actual.
El álbum tiene un ritmo contundente, con cambios en ritmos en algunas canciones como en Nikko feroz, fuerte, equilibrado por momentos, hay cambios de ritmo notables donde se resta potencia y agresividad, la línea de guitarras es la marca principal, las guitarras son nítidas duras y abrasadoras, junto a las líneas del bajo con fuerza y autoridad y claro la batería asienta una base explosiva y marcando el ritmo en muchos momentos y para cada pista, en las voces tenemos el sonido clásico de esa agresividad, rudeza al cantar.
Manifestation, fue lanzado el 6 de septiembre de 2024, este álbum combina intensidad, fuerza, nostalgia, madurez y clara la conexión del thrash clásico de los años 80.
Sitio web: www.infraredmetal.ca (R.Z.)

TECHNOPHOBIA: "Anti-human terror" (2023) (Ossuary Records)

 1. Anti-Human Terror 2. Pandemic Fear 3. Red Heaven 4. No Solution 

El EP de Thrash a la vieja escuela considero y de Crossover Thrash con esos ritmos desenfrenados y veloces, nos muestra una entrada rápida, enfadada y con cambios en ritmos notorios a la mitad de la canción en Anti-Human Terror, donde esos acordes y riffs son los más dominantes.

Con Pandemic Fear inician de manera semejante en la línea de guitarras, un poco solo un poco más lentos, donde los ritmos no van de cierta manera acorde a la entrada de voz, un poco de cambios rítmicos punk! En Red Heaven tenemos un sonido un poco más ágil, los riffs y tempos tienen un poco más acoplamiento, y finalmente en No Solution un poco más ritmo y fuerza en ese acorde líder y dominante, con ese paso de bajo muy bueno y después pura explosión entre ese hardcore y thrash metal clásico, cerrando de manera rápida y con un eructo gracioso jajaja.

La vocalización es genérica, explosiva y estridente, con solo una voz en una sola dirección, cuentan con una actitud y estilo punk por la furia en sus percusiones, y la batería algo en la misma dirección si eres de los thrashers a quienes les encanta el metal enfadado, rápido y desenfrenado te va a encantar!

Sitio web: www.technophobiathrash.pl (R.Z.)

IRONBOUND: “Serpent’s Kiss” (2024) (Ossuary Records)

 

1. Doomsday To Come 2. Holy Sinners 3. Serpent's Kiss 4. The Destroyer Of Worlds 5. The New Dawn 6. Forefathers’ Rites 7. Vale Of Tears 8. The Healer Of Souls

Recién salido del horno llega a nuestras manos el segundo larga duración de Ironbound, de título “Serpent’s Kiss”, un trabajo precedido en el tiempo por la maqueta “She-Devil” (2017), el sencillo “Witch Hunt / Lifeblood” (2018) y la opera prima “The Lightbringer” (2021).
Desde el primer surco del disco queda patente que el propósito de la banda no es otro que ensanchar la base sonora del estilo surgido con la eclosión de la NWOBHM para celebrar con ello la obra y milagros de su formación de cabecera, los londinenses Iron Maiden.
Un hecho como este no debería ser negativo per se (cada uno debe expresarse a su libre antojo, faltaría más), pero cuando es más que evidente que el modelo de la dama de hierro da muestras de entumecimiento, favorecido por su personal e implacable sello, encontrarnos con una banda que revisita todos los tics punto por punto y en grado supino (a saber: melodías armonizadas de guitarra, bajo cabalgante, rimbombantes redobles de batería y una voz de tesitura cercana a la de Blaze Bayley, aunque de matices más limitados), nos hace reflexionar sobre si es preciso estirar tanto el chicle, cuando tal vez éste ya no dé para más.
Pero para gustos colores y como no somos nadie para dilapidar la labor de aquellos que con su música alimentan nuestras almas -más allá de dar una simple y mera opinión-, debemos ser justos con la agrupación polaca formada en la ciudad de Rybnik en 2014 por Zbigniew Bizoń en el bajo, Adam Całka en la batería, Łukasz Krauze en la voz y Michał Halamoda y Krzysztof Całka en las guitarras, y valorar sus temas en su justa medida, dejando de lado los prejuicios propios.
Doomsday To Come rezuma cien por cien esencia maiden, contiene un estribillo muy bien construido y da muestras fehacientes del excelente rendimiento que Michał Halamoda ofrecerá a las partes solistas de guitarra a lo largo de todas las pistas. Este profundo apego que los polonos tienen por la banda de Steve Harris se hace todavía más evidente con el segundo corte Holy Sinners, el ejemplo más claro que encontraremos de la devoción absoluta que Ironbound rinde a los británicos.
El tema que da título al disco nos acerca a un estilo más personal y menos encorsetado, permitiéndonos disfrutar del lance entre el golpeo de los tambores y los riffs por parte de los hermanos Całka, así como de un par de fantásticos solos, mientras que The Destroyer Of Worlds, con una hipnótica línea de guitarra, una arrolladora instrumentación y una combinación de diferentes atmosferas, nos brinda otra estrofa principal excelentemente hilvanada.
The New Dawn empieza calmoso para dar paso a un medio tiempo sin mayores pretensiones, Forefathers’ Rites retoma el pulso con otra laboriosa interpretación solista a cargo de Halamoda, del mismo modo que también lo recupera el siguiente tema, Vale Of Tears, aunque ninguno logre evitar que la segunda mitad del trabajo se suma en la apatía. Finalmente, la extensa The Healer Of Souls impregna de épica los últimos minutos del álbum al que poco más nos queda por añadir, salvo una irrebatible proclama: Up the Irons!
Sitio web: www.facebook.com/ironboundpl  (M. M.)

TIAMAT: “Clouds” (1992) (2024 Deluxe edition) (Metal Scrap Records)

 

01. In A Dream 02. Clouds 03. Smell Of Incense 04. A Caress Of Stars 05. The Sleeping Beauty 06. Forever Burning Flames 07. The Scapegoat 08. Undressed 09. In A Dream (Live) 10. Ancient Entity  (Live) 11. The Sleeping Beauty (Live) 12. Mountain Of Doom (Live) 13. Angels Far Beyond (Live) + Hidden Track

Un albúm lanzado en 1992 y con esta remasterización 2024 al parecer, Clouds comienza con ''In a Dream'' buena canción un goth/doom notable, sonidos siniestros y riffs de doom 'n death con buen tempo, la combinación de voces es característico, en Clouds la canción con el nombre del albúm se ve impulsada por una batería atractiva, activa, rítmica y riffs melódicos, de hecho, con ganchos más atrayentes, sin esa oscuridad, con Smell of Incense tenemos una línea musical diferente, volvemos con ese goth/doom, ritmos lentos y oscuros, esas voces características desgarradoras,  de ahí nos saltamos hasta "Undressed" con ese marcado tempo entre ese acorde denso y lento, con solo de guitarra y acústica muy buena, sin duda lo convierte en una buena canción del álbum para cerrar, las canciones en vivo de bonus track es lo extra con un sonido más natural!

Estructuralmente, la música está entre el metal tradicional común dentro del estilo goth/doom con el enfoque o tintes hacia el progresivo y con un coro en el centro de las canciones en cada una hay, con esos ganchos y estribillos llamativos, en la canción principal con su sombrío coro y desgarradora voz, esa fatalidad y con ese acorde de guitarra de rock medio denso y pesado y una batería más natural, con la línea del bajo discreto, aunque escucho un poco más de rock goth que metal doom y con esa combinación de voces entre death y goth como tal, todas las canciones se asienten sobre un ritmo más sólido, compuesto y también suave, con esa atmosfera oscura y malévola.  ¡Si eres fan de Tiamat este albúm clásico es lo tuyo!

Sitio web: www.facebook.com/tiamat (R.Z.)

SAMAEL: "Rebellion" (1995) (Deluxe edition 2023) (Metal Scrap Records)

1. Rebellion 2. After The Sepulture (new version) 3. I Love The Dead 4. Static Journey 5. Into The Pentagram (new version) 6. Hidden Track 1 (Unnamed) 7. Hidden Track 2 (Static Journey Deutsche Version)

Saludos mis amigos! Samael nos deja esta versión de lujo de este EP con un súper lanzamiento en ese 1995, Samael es una banda de culto con icónicos lanzamientos desde los 87!

La canción de Rebelion comienza pesadamente, con tempos constantes, ritmos duros y rítmicos, su característica de death/black metal con un ambiente industrial es genial, voces ásperas y guitarras fuertes y retumbantes para crear una buena canción. La nueva versión de After The Sepulture tiene ese estribillo y gancho pegadizo con ese ritmo pesado, denso y oscuro, acordes duros y melodiosos, con buena batería y riffs poderosos con ritmos repetidos, una buena sección media.

Con I Love The Dead (de Alice Cooper) tenemos una excelente entrada moderna y clásica de viejos estilos de canciones de la banda un tema lento con ese tinte como pasional y dramático, con unos cambios de tempo, con Static Journey, con Static Journey una canción instrumental y ambiental, con Into The Pentagram es una excelente nueva versión la forma en que entra desde el inicio con esa batería más densa, las guitarras entran con un ritmo constante y oscuras, ese estilo black metal más notable en esta versión y finalmente con Static Journey es una canción que al inicio no se escucha nada, después del minuto comienza un sonido más instrumental, lúgubre y oscuro que se mantiene así hasta el final, con voces acompañantes, pues tenemos un EP con una combinación de sintetizadores y ritmos de batería contundentes con elementos electrónicos de death/black e industrial con buen relanzamiento en esta versión para los amantes del género!

Sitio web: www.samael.info (R.Z.)

IMARI TONES: “Nabeshima" (2021) (Sliptrick Records)

 

NdE: Aun cuando la política de reviews en Rocka Rolla Web Zine es clara en cuanto a no reseñar trabajos de mas de un año de editados, en este caso haremos una excepción merced a la deferencia y buena onda de la banda en enviarnos su material y no hacer la típica avivada de enviar el link de descarga, costumbre cada vez mas arraigada tanto en bandas y sellos, ya sea foráneos como nacionales.

CD1: 1. Passion 2. Lord's Prayer 3. Sakura Day 4. Atomic Jam 5. 123,4&5 6. Sakura Night 7. Extravaganza 8. Chanbara 9. Yamagoya3 10. Jidai 11. Bloodthirsty 12. God Anthem

CD2: 1. Crucified Boy 2. Sonic Soldiers 3. The Garden 4. Who Are You 5. Sengoku Christians 6. Screaming Sin 7. Matsuo 8. Once In A Lifetime 9. Redemption 10. Tsukuru 11. Not Of This World 12. Utage

Autoproclamados como “el primer grupo japonés de heavy metal cristiano”, Imari Tones nos hacen llegar su noveno y último larga duración bajo el título de “Nabeshima", nombre que reciben las porcelanas de mayor calidad realizadas en el archipiélago.

Si bien el proyecto arrancó años antes de la mano de su líder, guitarrista y vocalista Takahiro “Tone” Nakamine, el trío oriundo de Yokohama -formado bajo el nombre de Imari Tomes en 2004 y completado en la actualidad por Marie al bajo y Shinryu a la batería- nos presenta un disco doble con dos docenas de temas, de los cuales 11 están cantados en inglés, otros tantos en japonés y dos son piezas instrumentales (Yamagoya3 y Tsukuru). El resultado de tal excesivo volumen de material es un desatinado popurrí que reúne pinceladas de soft y alternative rock, tintes progresivos y experimentales y, siendo muy generosos (y para no contradecir a la banda, todo sea dicho), algún remoto rastro de metal. Tal desmesura de dispares sonidos, embutidos sin demasiado ton ni son y enlazados siempre por la dulce y melodiosa voz de “Tone” Nakamine, acaba convirtiéndose en un atracón de difícil y pesada digestión.

En el espectro roquero encontraríamos los melódicos y logrados estribillos de Lord's Prayer y Sakura Day, la deliciosa semibalada titulada The Garden, la luminosa melodía de Who Are You y la festiva de Not Of This World, mientras que los matices más alternativos brillarían en Sakura Night, Chanbara y sus oscuras voces, Jidai con su cadencia sincopada y su bonita estrofa principal, así como en Bloodthirsty, Matsuo y Utage.

En una onda a medio camino entre lo progresivo y lo experimental nos toparíamos con Atomic Jam, Extravaganza, Once In A Lifetime y Redemption, y finalmente, dentro del abanico más próximo a los sonidos metálicos tendríamos la inicial Passion con su ritmo entrecortado, 123,4&5 y sus manifiestas influencias de la NWOBHM, God Anthem y el brillante trabajo de Nakamine a las seis cuerdas, la excelsa Sonic Soldiers, el dinamismo de Sengoku Christians y sus gritos de guerra samuráis, y Screaming Sin con un riff lacerante e intensas estrofas.
Quizás, si hubiesen publicado como en otras ocasiones un EP con 5 o 6 canciones (o si mucho me apuras, un álbum con 10 u 11) estaríamos igualmente ante una singular obra que fusiona las creencias cristianas con la sutil pátina de la lírica tradicional japonesa, pero muchísimo más accesible para los oídos poco avezados a semejante demasía.
Tal vez no se hizo la miel para la boca de asno de quien esto suscribe, así que sea cada cual el que decida unirse o no a las plegarias que esta tríada de presbíteros nipones se ha esforzado en convertir en música sacra. Que Dios los tenga en su santa gloria. Amén.
Sitio web: https://imaritones.net/ (M. M.)

Gracias Ricardo, gracias por todo...

 

Te fuiste muy pronto Ricardo. Si, ya se, estabas jodido. Esa vida tan enloquecida te jugó una mala pasada, y tu corazón no resistió. Pero vaya que nos dejaste canciones, frases, consejos y vivencias. No te guardaste nada. Lo diste todo, hasta casi no poder mas.

A las personas que uno quiere y admira, cuando nos dejan físicamente, es nuestra responsabilidad que su paso terrenal quede guardado en nuestro recuerdo.

Se te va a extrañar, Ricardo. Mi evocación eterna para vos...